Negli ultimi anni, Christian Ward è diventato uno dei più apprezzati disegnatori del mercato statunitense: con il suo stile etereo e psichedelico, che gioca con linee sinuose e liquide e colori al neon, Ward ha avuto un grande impatto sia con i suoi lavori creator-owned (ODY-C con Matt Fraction, Invisible Kingdom con G. Willow Wilson) sia con i suoi lavori nel mondo dei supereroi (Freccia Nera con Saladin Ahmed, Aquaman Andromeda con Ram V), portandolo a vincere vari premi, tra cui svariati Eisner Awards. Negli ultimi anni ha plasmato il mondo di Batman sia come autore unico, nella miniserie Black Label Batman: La città della follia, che nella miniserie Due Facce. Proprio di questi lavori e della sua carriera abbiamo parlato con lui durante l’evento organizzato dalla fumetteria berlinese Walt’s Comic Shop per i primi cinque anni d’attività.
Prima di tutto, grazie mille di essere con noi Christian. Vorrei cominciare dai tuoi inizi, in particolare da qualcosa che ho letto nella tua biografia sul tuo sito web, dove scrivi: “dopo 10 anni passati a incoraggiare adolescenti londinesi a disegnare qualsiasi cosa tranne fumetti…”
Quindi, le tue “origini segrete” sono un po’ diverse da quelle che ci si aspetterebbe. Cosa ti ha portato a diventare un candidato agli Eisner Award — anzi, un pluripremiato Eisner Award?
Sì, è una storia abbastanza divertente. Sono cresciuto in un posto chiamato Wolverhampton, che si trova nel centro dell’Inghilterra, e lì, quando parlavi con gli insegnanti o con chiunque lavorasse nell’istruzione dei tuoi progetti per il futuro, dire “voglio diventare un fumettista” era come dire che volevi fare la star di Hollywood, la rockstar o l’astronauta. Non era considerato un lavoro reale, qualcosa che le persone facessero davvero.
Anche se volevo fare fumetti fin da bambino — disegnavo, li fotocopiavo e li vendevo nel cortile della scuola elementare quando avevo otto o nove anni — mi sembrava sempre un sogno irrealizzabile.
La realtà mi spinse in un’altra direzione. Mi trasferii a Londra, e chiunque viva in una grande città sa che può essere difficile. Per anni sono stato molto povero e in difficoltà, quindi dovetti trovare un “vero lavoro”. In quel momento fare il fumettista sembrava ancora una fantasia, qualcosa che non poteva accadere davvero. Così diventai insegnante — e, con mia sorpresa, mi piacque moltissimo.
Mi divertivo molto a insegnare durante i dieci anni in cui l’ho fatto. Mi piaceva coinvolgere i giovani e insegnare loro l’arte. Ma durante tutti quegli anni ho continuato a leggere fumetti. Ero come si dice un “Wednesday warrior”: ogni mercoledì andavo in fumetteria a prendere le nuove uscite.
Era l’inizio degli anni 2000, quando cominciavano a nascere i forum online. C’erano autori come Brian M. Bendis che avevano un proprio forum e io partecipavo alle discussioni. La prima cosa importante che accadde fu un concorso artistico per Powers, la serie che Bendis stava realizzando all’epoca. Iniziai a fare fan art per quei concorsi, e le persone reagirono molto positivamente. Pensai: “Interessante… a quanto pare alla gente piace davvero quello che faccio”.
Avevo messo da parte i fumetti per un po’, ma volevo comunque continuare a fare arte. Provai con i libri illustrati per bambini, poi con l’illustrazione contemporanea e per un periodo feci il pittore, con grandi tele esposte in gallerie. Così il mio stile a fumetti diventò una strana fusione tra illustrazione contemporanea e pittura d’arte, molto diverso dal classico stile supereroistico in calzamaglia.
Come insegnante lavoravo a Bethnal Green, nell’East London. Per coinvolgere i ragazzi, soprattutto i maschi adolescenti, introdussi i fumetti nel programma scolastico. Era un ottimo modo per insegnare composizione, proporzioni del corpo e altri fondamenti, “nascondendo” l’apprendimento dentro i fumetti.
Fondamentalmente stavo già creando fumetti come parte del mio lavoro di insegnante e a casa postavo le mie opere online. Un giorno, uno studente mi disse: “Se sei così bravo, perché non lo fai davvero?”. Quello fu il momento della svolta.
Le persone online reagivano bene e mi piaceva insegnare i fumetti e quella combinazione mi spinse a provarci seriamente. Iniziai a pubblicare più lavori e alla fine lo scrittore Brian Clevinger vide le mie tavole e mi chiese se volevo collaborare a un fumetto. Feci un progetto per Atomic Robo, un fumetto indipendente che esiste ancora oggi, e da lì le cose presero il volo.
È stata davvero la combinazione di una passione mai abbandonata, la condivisione online e l’uso dei fumetti come strumento educativo a portarmi alla carriera che ho ora. È incredibile.
E poi la carriera è iniziata. Prima con fumetti indipendenti, che ti hanno portato all’attenzione del pubblico. Poi sono arrivati i supereroi. Qual è la differenza per te tra lavorare su uno e sull’altro? Quali sono le sfide?
È interessante, perché è qualcosa con cui mi sto confrontando proprio ora. In questo momento mi muovo in tre mondi: fumetti indipendenti, DC Comics (una delle “big two”) e fumetti su licenza — come Event Horizon — in cui adatti qualcosa da un altro medium.
Il mio approccio però è sempre lo stesso. Detto ciò, incontro comunque ostacoli. Ad esempio, quando ho lavorato a Two-Face, c’erano alcune cose che volevo fare ma non potevo, non perché gli editor non fossero d’accordo, ma perché non era il mio “giocattolo”: qualcun altro lo stava usando, e deve rimanere coerente, non puoi romperlo. Nei fumetti indipendenti hai più libertà: quelli sono i tuoi giocattoli e puoi farne ciò che vuoi.
Ma il mio approccio resta invariato. Si tratta sempre di raccontare una buona storia, rendere i personaggi veri e coinvolgenti. Cerco sempre di fare due cose: prima di tutto, che il fumetto sia divertente da leggere; e poi che “parli di qualcosa”. Non deve essere necessariamente profondo, ma deve avere un’idea centrale. Ad esempio, Batman: La città della follia parla di trauma, di come lo affrontiamo. Ogni mio libro ha un filo conduttore, sia esso indipendente, mainstream o su licenza. È sempre una questione di raccontare buone storie.
Parlando di Batman: La città della follia, in quanto titolo Black Label, che ti dava più libertà poiché è fuori dalla continuity. Com’è stato lavorare su un personaggio del genere ma con più libertà? Ad esempio, hai scelto la Corte dei Gufi come uno dei villain principali, che non è una scelta scontata.
Direi che Batman: La città della follia è stato l’anno professionale migliore della mia vita. È stato assolutamente fantastico. Il libro che davvero mi ha messo su questa strada è Arkham Asylum di Grant Morrison e Dave McKean. Quel volume per me è molto importante e Batman: La città della follia è quasi un suo seguito spirituale.
Quando ho parlato con DC Black Label — in particolare con l’editor Chris Conroy — ero entusiasta della libertà che mi hanno concesso. Potevo fare tutto ciò che volevo, entro certi limiti, purché rispettasse i personaggi. Ci sono cose in quel libro che non avrei mai potuto fare nella continuity principale.
Sono stato davvero grato di aver potuto realizzare tutto ciò che volevo, senza alcuna opposizione. C’era una vera sensazione di libertà, entusiasmo e orgoglio. Scrivere e disegnare un fumetto di Batman è il massimo. Sono molto orgoglioso di quel libro e di come si è sviluppato. Quando qualcuno mi dice che lo ha amato, significa tantissimo per me. È stato puro divertimento dall’inizio alla fine e lo custodirò sempre come un’esperienza meravigliosa. Da qui in poi, temo che sarà solo in discesa.
La parte più importante del titolo, per me, è “Città”. Molte storie recenti di Batman si concentrano molto su Gotham e sul suo rapporto con la città. La tua Gotham riflette davvero il tuo stile: una città di bagliori al neon, ma che sembra anche un mix tra Christopher Nolan e Joel Schumacher. Era un riferimento intenzionale?
In Città della Follia, per chi non lo avesse letto, l’idea è che ci siano due Gotham: la Gotham Superiore (quella che conosciamo) e la Gotham Inferiore (un mondo nascosto). Volevo esplorare il trauma e come Gotham stessa sia una macchina del trauma che si autoalimenta.
Avere Gotham Sopra e Sotto mi ha dato libertà visiva. Come hai detto, potevo ispirarmi ai film di Nolan per far sembrare Gotham Superiore una città reale, ma leggermente distorta. In realtà, credo che il film che rappresenta meglio come dovrebbe apparire Gotham sia The Batman: Matt Reeves e il suo team hanno centrato perfettamente l’atmosfera.
Gotham Inferiore invece è più barocca e da incubo, non sembra reale. Volevo che fosse una fusione di epoche diverse. In un certo senso è ciò che Batman è: fumetti degli anni ’30, ’60, ’80 e di oggi, tutti mescolati insieme. Rappresenta la sua storia e la sua capacità di trasformarsi.
Può essere camp, detective, supereroe tutto insieme. La città riflette quella molteplicità, perché Batman è tutto questo.
Restando su Batman: di recente hai scritto una storia su uno dei suoi più famosi nemici, Due Facce. In questo caso sei stato solo lo scrittore, non l’artista. Non ti capita spesso: com’è stata questa esperienza? Ti sei sentito limitato o liberato nel vedere le tue idee disegnate da un altro?
Ho preso la decisione circa cinque anni fa, intorno al 2020, di concentrarmi davvero sulla scrittura. Era il mio piano fin dall’inizio: volevo scrivere e disegnare i miei fumetti. Ma ho avuto la possibilità di lavorare con persone come Matt Fraction e G. Willow Wilson e a loro non si dice di no.
Sono stato fortunato a collaborare con scrittori straordinari. Ma nel 2020 ho capito che, se non avessi iniziato a scrivere allora, non l’avrei mai fatto. Non avevo tempo per fare entrambe le cose e volevo essere preso sul serio come scrittore. Così ho deciso di togliermi dal ruolo di artista, per far sì che la mia scrittura si reggesse da sola.
Ho scritto Machine Gun Wizards con Sami Kivelä, un fantastico artista finlandese, pubblicato da Dark Horse, un fumetto che ha questo in comune con Two-Face e a un altro fumetto per Image, Blood Stained Teeth, con Patrick Reynolds: storie per cui non ero necessariamente il miglior disegnatore possibile. Sono tutte storie crime, pulp. Fabio Veras, che ha disegnato Two-Face, è bravissimo con lo stile noir. Quel fumetto era sostanzialmente un dramma giudiziario e il mio stile non si adatta a quello, io tendo verso l’etereo, lo strano, il psichedelico.
È una questione di mettere da parte l’ego. Non è “Il Christian Ward Show”. Conta la storia. Se è una storia noir, serve un artista che eccella in quello. La storia viene sempre prima.
Lo stesso vale per Event Horizon di IDW. Potresti pensare che, essendo noto per l’horror cosmico, lo avrei disegnato io stesso, ma abbiamo scelto Tristan Jones, bravissimo con lo stile realistico e cinematografico. I suoi dettagli architettonici sono perfetti per la storia.
Visto che quel fumetto potrebbe attrarre lettori non abituali di comics, volevo che visivamente ricordasse il mondo del film. Anche in questo caso si tratta di seguire la storia, non l’ego.
Detto ciò, mi manca scrivere per me stesso e sto lavorando a qualcosa che scriverò e disegnerò io. Ma amo anche collaborare con altri artisti. Non c’è nulla come vedere qualcuno dare vita alle tue parole.
Anche se sono un artista non sono immune alla magia di vedere le mie idee realizzate attraverso la visione di un altro. Scelgo sempre artisti di cui mi fido — e non mi hanno mai deluso. Sami, Patrick, Fabio, Tristan: tutti incredibili. Quando lavori con persone così, sei sempre felice.
Ultima domanda, che forse sarebbe dovuta essere la prima: hai parlato molto della tua arte e di quella degli altri. Quali sono state le tue ispirazioni all’inizio? E, lavorando con altri artisti, ti capita di essere ispirato da loro o di adottare qualche elemento nel tuo stile?
È curioso: quando ho iniziato gli artisti che mi ispiravano non erano necessariamente palesi nel mio lavoro. Amo profondamente Dave McKean e Bill Sienkiewicz — artisti straordinari. La loro energia e il loro approccio ai fumetti per cui “tutto è possibile” mi hanno influenzato molto. Mi hanno mostrato che l’arte può evocare un’emozione, non solo raccontare una storia.
Dal punto di vista narrativo, probabilmente Frank Quitely, anche se i nostri stili non si assomigliano affatto. Il suo storytelling è sublime, puoi leggere i suoi fumetti anche senza testi. È un’enorme influenza.
Quando lavoro con altri artisti direi che mi sento ispirato, non influenzato: la differenza è importante. Essere ispirato ti spinge a fare del tuo meglio; essere influenzato può portare all’imitazione.
Negli ultimi vent’anni ho imparato probabilmente più dagli scrittori che dagli artisti: persone come Matt Fraction, G. Willow Wilson e Saladin Ahmed. Leggendo le loro sceneggiature ho imparato a strutturare un albo, gestire il ritmo e comprendere lo “spazio” di 20 pagine, cosa è essenziale e cosa no.
È un processo quasi matematico. Hai un numero limitato di vignette per pagina: come racconti una storia in modo efficiente ed emozionante in quello spazio? Sono queste le lezioni che ho interiorizzato negli ultimi quindici anni prima di iniziare a scrivere io stesso. Quindi direi che ultimamente ho imparato più dagli scrittori, ma gli artisti continuano a ispirarmi.
Grazie mille, Christian, per il tuo tempo.
Intervista realizzata al Walt’s Comic Shop di Berlino il 20 settembre 2025.
Un enorme grazie a tutto il team di Walt’s.
Christian Ward
Christian Ward è un illustratore, fumettista e sceneggiatore britannico.
Tra i suoi clienti figurano Marvel Comics, DC Comics, Dark Horse Comics, EPIC Games e The Guardian, tra gli altri. Dopo dieci anni passati a incoraggiare adolescenti londinesi a disegnare qualsiasi cosa tranne fumetti, Christian Ward è oggi un plurivincitore degli Eisner Award come autore e disegnatore. È conosciuto soprattutto per le sue space opera cosmiche ODY-C (co-creata con Matt Fraction) e per Invisible Kingdom (Eisner Award, co-creata con G. Willow Wilson).
È stato anche artista per le acclamate serie Marvel Black Bolt (con Saladin Ahmed) e ha collaborato a Thor (con Jason Aaron) e Batman (con James Tynion IV).
Nel 2019 ha pubblicato il suo primo fumetto da sceneggiatore, Machine Gun Wizards (con Sami Kivelä), seguito da Bloodstained Teeth (con Patrick Reynolds). Nel 2024 ha pubblicato Batman: La città della follia per DC Black Label e nel 2025 ha scritto Due Facce, disegnato da Fabio Veras.
Ward vive attualmente a Shrewsbury con la moglie Catherine, le loro due figlie e il carlino Thor.
(tratto da www.cjwardart.com/about)
