Unter den zahlreichen weiblichen Stimmen der deutschen Comicszene hat sich Antonia Kühn mit ihrem Debütwerk Lichtung (bei Reprodukt) bei Publikum und Kritik gleichermaßen einen Namen gemacht. Das Buch wurde schnell in verschiedene Länder übersetzt, darunter auch Italien, wo es bei Diabolo Edizioni unter dem Titel La Radura veröffentlicht wurde. Mit einem Stil in Schwarz-Weiß und Grautönen, der von den Arbeiten Anke Feuchtenbergers inspiriert ist, zugleich aber eine gewisse Feinfühligkeit des französischen Comics und eine schwebende Atmosphäre kindlicher Träume besitzt, erzählt die Geschichte, wie eine Familie den Verlust der Mutter verarbeitet. Ausgehend von der durch die Trauer entstandenen Abwesenheit beschreibt Antonia Kühn die familiären Dynamiken neu und sucht nach einem neuen Gleichgewicht in einer angespannten Situation. Dabei entwickelt sie die Charaktere der Figuren und die Beziehungen, die zwischen ihnen entstehen.
2024 kehrte die Autorin mit Aufblasbare Eltern (ebenfalls bei Reprodukt) zur Graphic Novel zurück. Darin wird das Thema Familie jedoch aus einer anderen Perspektive und mit einem anderen Ton behandelt: Die Erlebnisse der Hauptfiguren, die als anthropomorphe Tiere dargestellt werden, bewegen sich zwischen Dramen, Ängsten, Freuden und Entdeckungen des Alltags einer Patchworkfamilie. Die Geschichte entfaltet sich in kleinen Episoden, die von einem leichteren und reduzierteren Stil geprägt sind.
Anlässlich der italienischen Veröffentlichung des Bandes bei Diabolo Edizioni unter dem Titel Genitori Gonfiabili haben wir Antonia Kühn interviewt, um über ihren künstlerischen Werdegang, ihre Werke und die Themen zu sprechen, die sie durchziehen.
Hallo Antonia, vielen Dank für deine Zeit. Um dich zunächst dem italienischen Publikum vorzustellen: Wir würden gerne mehr über dein Verhältnis zum Comic erfahren, wann du begonnen hast, darüber als Beruf nachzudenken, und wie dein Weg bisher verlaufen ist.
Ich habe zunächst Film studiert. Als ich jedoch im zweiten Semester war, wurde mir klar, dass einen Film zu machen zwar bedeutet, eine Geschichte zu erzählen, aber auch sehr viel technische und finanzielle Arbeit mit sich bringt. Es erschien mir einfach wie etwas, das zu groß für mich war. Also dachte ich: „Moment mal, um einen Comic zu machen, um eine Geschichte zu erzählen, braucht man nur ein Blatt Papier und einen Stift.“ Diese Idee gefiel mir sehr. Es ist etwas so Einfaches, es erfordert im Vergleich zu vielen anderen Erzählformen keinen großen technischen Aufwand. So bin ich vom Film zum Comic gekommen.
Hast du schon als Kind Comics gelesen oder kamen sie erst später in dein Leben? Und welche Künstlerinnen und Künstler haben dich während deiner Ausbildung am meisten inspiriert?
Ja, ich lese sehr viel. Ich habe einige Lieblingsautorinnen und -autoren, aber ich bin immer neugierig darauf, neue Comics zu entdecken. Jedes Mal, wenn ich eine neue Veröffentlichung sehe, nehme ich sie mit und lese sie.
Mich fasziniert immer wieder die Vielfalt der Stimmen, denen man im Comic begegnen kann. Ich fühle mich nicht besonders an einen bestimmten Stil gebunden, weder an Farbe noch an Schwarz-Weiß, sondern liebe einfach diese Sprache. Jedes Mal bin ich erstaunt darüber, wie gut sie funktioniert und wie nah ich mich den Autorinnen und Autoren fühle, deren Werke ich lese.
Wenn ich einige nennen müsste, die mir besonders gefallen – gerade weil wir in Italien sind –, würde ich Gipi erwähnen. Ich liebe seine Bücher, und durch ihn habe ich begonnen, die italienische Comicszene intensiver zu erkunden, zum Beispiel Coconino Press. Es ist eine völlig andere Realität als die deutsche, aber eine sehr faszinierende. Auch die Arbeit, die Riccardo mit Diabolo Edizioni macht, finde ich sehr schön.
Wenn ich darüber nachdenke, entdecke ich jeden Tag neue Comiczeichnerinnen und Comiczeichner – es ist ein unglaublich großes Feld. Mich interessiert auch die französische Comicszene sehr: Ich mag besonders Dominique Goblet, deren Arbeit sich an der Grenze zwischen Comic und Malerei bewegt.
Generell fällt es mir schwer, eine einzelne Lieblingsautorin oder einen Lieblingsautor zu benennen.
In deinen beiden Comics, Lichtung (La Radura) und Aufblasbare Eltern (Genitori Gonfiabili), die in Deutschland bei Reprodukt und in Italien bei Diabolo erschienen sind, beschäftigst du dich mit familiären Beziehungen, allerdings auf sehr unterschiedliche Weise. Was hat dich dazu geführt, diese Themen zu wählen?
Als ich das erste Buch gemacht habe, wusste ich noch nicht, dass die Familie mein zentrales Thema werden würde. Das wurde mir erst klar, als ich mit dem zweiten Buch begann. Offensichtlich ist es aus irgendeinem Grund ein Thema, das mir sehr nahe steht. Aber wir werden sehen, ob das auch beim nächsten Buch so sein wird.
Ich glaube jedoch, dass die Familie ein unglaublich faszinierendes Thema ist, weil sie der Ursprung von uns allen ist. Die Familie ist überall: Wir werden in eine Familie hineingeboren und vielleicht gründen wir eines Tages selbst eine neue.
Die Herkunftsfamilie bleibt immer ein Teil von uns, aber mich interessiert auch die Frage, ob es wirklich möglich ist, sie hinter sich zu lassen. Ich habe das Gefühl, dass meine eigene Familie immer in mir weiterlebt. Ich kann ihr nicht einfach entkommen oder sie hinter mir lassen. Es ist eine sehr starke Verbindung, und deshalb begleitet sie mich ständig.
Es klingt fast so, als würde man über Geister sprechen.
Ja, in gewisser Weise schon, auch weil Dinge nie vollständig klar sind. Wir haben Kategorien wie Kinder und Eltern, aber in den Zwischenräumen, in den weißen Flächen dazwischen, passieren unzählige Dinge. Genau das gefällt mir daran, in meinen Geschichten zu erforschen.
Wie bereits erwähnt, unterscheiden sich die beiden Bände stark voneinander, sowohl was den Ton als auch die Umsetzung betrifft. Lichtung erzählt die Geschichte einer Trauer, des plötzlichen Verlusts eines Elternteils, und konzentriert sich auf diejenigen, die zurückbleiben, sowie auf die Idee von Erinnerung und Gedächtnis. Wie ist diese Geschichte entstanden?
Ich denke, dass es auch eine Geschichte über das Schweigen ist, das in Familien entsteht, wenn schwierige Ereignisse geschehen. Ich glaube, dass jede Familie ihre eigene Geschichte hat und dass in jeder Familie Dinge passieren. Mich interessiert, zu beobachten, wie die Mitglieder dieser Gruppe mit solchen Erfahrungen umgehen, wie sie es schaffen oder auch nicht schaffen, damit zu leben.
In meinem ersten Buch stirbt jemand, und plötzlich gerät das gesamte Gleichgewicht aus den Fugen. Mich interessiert vor allem, zu sehen, wie die Familie am Ende dieses Gleichgewicht wiederfindet und wie sie mit dieser Leere und diesem Schweigen umgeht.
Was die Figuren betrifft, gehe ich oft von bestimmten Eigenschaften von Menschen aus meiner Familie aus, aber anschließend entwickle ich daraus völlig neue Charaktere.
Apropos Gleichgewicht: Ich finde, dass das Buch zutiefst berührend ist. Wie hast du das richtige Gleichgewicht gefunden, um ein so schwieriges Thema zu erzählen? Es ist ein sehr tiefgründiger und schmerzhafter Stoff, aber du behandelst ihn mit großer Feinfühligkeit.
Danke, es freut mich wirklich sehr, das zu hören. In beiden Büchern arbeite ich mit verschiedenen Ebenen. Im ersten gibt es neben der Realität auch die Ebene des Traums, und ich mag es sehr, diese beiden miteinander in Beziehung zu setzen. Die Geschichte wird auch aus der Perspektive eines Kindes erzählt, und das erschien mir als ein interessanter Blickwinkel, weil es die Welt mit einem ganz eigenen, vielleicht noch kindlichen Blick betrachtet.
Am Anfang hat es Angst davor, Fragen zu stellen, aber Kinder besitzen auch diese wunderbare Fähigkeit zu fragen: Sie sind neugierig und wollen verstehen. Sie sind noch nicht voller vorgefasster Vorstellungen.
Einmal hat mir jemand gesagt, dass das Buch fast wie eine Detektivgeschichte wirkt, weil das Kind nach Hinweisen sucht und einer Spur folgt. Für mich war das die richtige Perspektive, um diese Geschichte zu erzählen. Ich weiß, dass es ein sehr berührendes Buch ist, aber ich denke auch, dass das Thema selbst sehr schwer ist, und deshalb wollte ich es nicht auf eine humorvolle Weise erzählen.
Im zweiten Buch bin ich viel ironischer, aber das hat sich während der Arbeit ganz natürlich entwickelt. Bei der ersten Geschichte hatte ich das Gefühl, dass ein solcher Ansatz einfach nicht funktionieren würde.
Die Rolle des kleinen vogelähnlichen Spielzeugs ist sehr interessant. Die Parallele, die es zum Protagonisten gibt, ist wirklich bemerkenswert.
Im zweiten Buch verwende ich etwas Ähnliches, nämlich den LEGO-Stein.
Ich mag es, diesen kleinen Gegenständen oder Figuren eine eigene Stimme zu geben. Manchmal fragen mich Menschen, wofür sie stehen: Sind sie seine innere Stimme? Sein Gewissen? Jemand, der ihn korrigiert? Ich überlasse es lieber den Leserinnen und Lesern, das selbst zu entscheiden.
Diese kleinen Figuren schaffen eine zusätzliche Ebene der Reflexion über die Geschichte. Sie fügen eine weitere Stimme hinzu, vielleicht eine neutralere, die einfach kommentiert, was gerade passiert.
Im Gegensatz dazu ist Aufblasbare Eltern viel stärker im Alltag einer „Patchworkfamilie“ verankert. Es begleitet die Erlebnisse zahlreicher Figuren, die versuchen, unterschiedliche Bedürfnisse miteinander zu vereinbaren. Besonders interessant ist, dass es sich um eine episodische Geschichte handelt: Die Töne wechseln stark (manchmal humorvoll, manchmal sehr angespannt, beinahe dramatisch), während die Gestaltung der Seiten viel regelmäßiger und klarer ist als im vorherigen Buch. Wie ist dieses Werk entstanden?
Als ich begonnen habe, in einer erweiterten Familie (oder besser gesagt: einer Patchworkfamilie) zu leben, fing ich an, abends kleine einseitige Comics über das zu zeichnen, was an diesem Tag passiert war. Ich glaube, das war meine Art, festzuhalten, was gerade geschah, und mir bewusst zu machen, dass ich dabei war, eine neue Familie aufzubauen.
Ich war noch sehr traurig über den Verlust meiner ursprünglichen Familie, als sie auseinandergefallen war. Aber wenn neue Partner und neue Kinder zusammenkommen, kann man sich nicht einfach an einen Tisch setzen und ein Konzept für eine neue Familie entwerfen: Man beginnt einfach, sie zu leben.
Ich habe diese kleinen Aufzeichnungen zunächst nur für mich selbst gemacht, fast wie ein Tagebuch oder ein Protokoll dessen, was in meinem Leben passierte. Die Kinder wechselten ständig zwischen den Häusern ihrer Eltern, und ich wollte diese Momente bewahren, darüber nachdenken und beobachten, wie wir gemeinsam gewachsen sind.
Später zeigte ich dieses Material meinem Verleger, und gemeinsam erkundeten wir, wie daraus ein vollständiges Buch entstehen könnte. Das Endergebnis unterscheidet sich ziemlich stark von diesem ursprünglichen Tagebuch. Es besitzt eine eigene erzählerische Struktur, aber ich glaube, es ist weniger eine Geschichte, die aus der Fantasie entstanden ist, sondern vielmehr eine Geschichte, die direkt aus dem Leben selbst herausgewachsen ist.
Ich spüre in dieser Geschichte ein Gefühl der Dringlichkeit. Es wirkt wie etwas, das du unbedingt verwirklichen musstest.
Als ich mitten im Aufbau meiner neuen Familie war, hatte ich das Bedürfnis, mit anderen Menschen darüber zu sprechen, Gedanken und Gefühle zu teilen. Es ist ein sehr wichtiges Thema in Deutschland: Viele Ehen enden nach drei oder vier Jahren, aber wenn man durch die Straßen geht, sieht man nur scheinbar glückliche Familien. Dieses Thema tut weh, und niemand spricht darüber.
Deshalb wollte ich unsere Familie zeigen: was wir sind, wie wir dazu geworden sind und wie wir uns weiterentwickeln. Es gibt traurige Aspekte, aber auch wunderschöne, denn man erschafft etwas völlig Neues. In gewisser Weise kann es wie eine Wiedergeburt wirken.
Die Reaktionen, die ich erhalten habe, entsprechen sehr genau dem, was ich mir erhofft hatte. Die Menschen sagen zu mir: „Das ist genau wie unser Leben“ oder „Ich kenne diese Situation“. Und es ist ein wunderschönes Gefühl zu erkennen, dass es normal ist, zum Beispiel anfangs Angst vor einem Kind zu haben, das nicht das eigene ist und plötzlich in dein Leben tritt.
Vielleicht fühlt man sich nicht sofort genauso mit ihm verbunden wie mit dem eigenen biologischen Kind, denn schließlich ist es zunächst ein Fremder, der plötzlich unter demselben Dach lebt. Oft schämen sich Menschen dafür, solche Gefühle zu haben, weil niemand darüber spricht.
Ich habe nach Büchern gesucht, die diese Erfahrung erzählen, und konnte keines finden. Also dachte ich: „Dann mache ich es selbst.“
Ich glaube, dass eine Graphic Novel ein sehr geeignetes Format dafür ist, weil eine Person, die gerade dabei ist, eine Patchworkfamilie aufzubauen, sie allein und in einem privaten Moment lesen kann. Durch die Geschichte können wir diese sehr persönlichen Erfahrungen miteinander teilen.
Eine weitere Sache, die dein neues Werk deutlich von deinem vorherigen unterscheidet, ist die Entscheidung, anthropomorphe Tiere (oder besser gesagt: Menschen mit tierischem Aussehen) als Figuren zu verwenden. Warum hast du dich für dieses Mittel entschieden? Um eine Distanz zu schaffen oder um bestimmte Figurenarten besser erkennbar zu machen?
Ich glaube, dass die Protagonistin die Geschichte mit dem Wunsch beginnt, das wiederherzustellen, was sie als eine „normale“ Familie betrachtet. Aber weil die Kinder ständig hin und her wechseln, funktioniert das nie wirklich.
Das Familienleben wird immer wieder unterbrochen: Für ein Wochenende bildet man eine Familie, dann gehen die Kinder wieder weg und manchmal sieht man sie tagelang nicht. Manche Familien wechseln sich alle zwei Wochen ab, und das ist noch schwieriger. Dieses ständige Neuanfangen ist erschöpfend.
Am Ende versteht sie, dass sie nicht so tun kann, als wäre sie eine traditionelle Familie.
In solchen Situationen fragen die Menschen einen ständig: „Ist das dein Sohn? Ist das deine Tochter? Ist das sein leiblicher Vater?“ Man hat nicht wirklich Lust, jedes Mal alles erklären zu müssen.
In diesem Fall sind die beiden Kinder zum Beispiel beide zwölf Jahre alt, und die Menschen bemerken sofort, dass etwas ungewöhnlich ist. Sie sind keine Zwillinge, aber sie sind gleich alt, also fragen sich alle, was los ist.
Da dachte ich: Warum mache ich es nicht einfach sichtbar? Eine Figur ist ein Fuchs, eine andere eine Katze. Man versteht sofort, dass sie unterschiedlich sind, und niemand wird fragen: „Ist das wirklich dein Kind?“
Aus visueller Sicht macht das alles sofort verständlich, während die Geschichte auf emotionaler Ebene davon handelt, wie sie nach und nach lernen, als Familie zusammenzuwachsen. Und genau das ist es, was wirklich zählt.
In beiden Arbeiten gibt es jedoch Momente, in denen einzelne Seiten in einem großen weißen Raum stehen – eine Entscheidung, einen Moment räumlich und damit auch zeitlich zu isolieren. Was führt dich zu dieser Art des Erzählens?
Ich möchte die Leserinnen und Leser dazu einladen, ihre eigene Perspektive in die Geschichte einzubringen. Beim zweiten Buch wollte ich nicht, dass es wie ein Schulbuch wirkt, in dem jede Frage eine Antwort hat. Ich hoffe, dass die Leserinnen und Leser durch die leeren Räume dazu eingeladen werden, selbstständig darüber nachzudenken.
Ich versuche nicht, jede Frage zu lösen. Ich erzähle einfach eine Geschichte, und am Ende gibt es vielleicht sogar mehr Fragen als am Anfang. Ich glaube, dass es gut ist, diesen Raum offen zu lassen.
Du bist inzwischen seit mehreren Jahren in der deutschen Comicszene aktiv. Wie empfindest du die Entwicklung des Comics in Deutschland, insbesondere im Bereich der heimischen Autorinnen und Autoren? Einerseits gibt es ermutigende Zeichen, mit vielen neuen Zeichnerinnen und Zeichnern – vor allem auch Autorinnen –, die sichtbar werden. Andererseits scheinen sich einige Schwierigkeiten abzuzeichnen, nicht nur auf dem Markt, sondern auch hinsichtlich der Nachhaltigkeit kultureller Initiativen, wie die Probleme des Erlanger Comic-Salons oder die Kürzungen bei Honoraren zeigen.
Ich freue mich sehr über diese Entwicklung. Als ich angefangen habe, vor etwa zwölf oder vierzehn Jahren, habe ich in Hamburg bei Anke Feuchtenberger studiert. Sie war eine außergewöhnliche Lehrerin.
Ihr Ansatz beschränkte sich nicht nur auf Comics. Sie lehrte Erzählen und glaubte daran, dass jedes Ausdrucksmittel möglich ist. Gleichzeitig war sie sehr ehrlich. Sie sagte zu uns: „Ihr werdet in Deutschland nicht davon leben können, ausschließlich Comics zu machen. Entwickelt deshalb eure Fähigkeiten weiter und sorgt dafür, dass ihr auch einen anderen Beruf habt.“
Wir waren alle schockiert, weil wir dachten: Sie muss doch an uns glauben! Aber ich glaube, sie wollte uns einfach auf dem Boden halten – und ich kann sagen, dass sie letztlich recht hatte.
Auch heute ist es in Deutschland kaum möglich, ausschließlich vom Comiczeichnen zu leben. Ich arbeite zusätzlich als Illustratorin und mache gemeinsam mit einer Freundin Animationen. Das ermöglicht es mir, meine Rechnungen zu bezahlen.
Aber die Comicszene wächst definitiv. Man kann Workshops veranstalten, und wir haben auch eine wunderschöne Tradition von Comic-Lesungen. Dabei werden die Seiten auf eine Leinwand projiziert, während die Autorin oder der Autor die Dialoge und die Erzählung laut vorliest. Das Publikum hört die Stimme der Künstlerin oder des Künstlers, während es die Seiten Bild für Bild betrachtet. Danach kaufen die Menschen die Bücher, stellen Fragen und lassen sie signieren. Es ist ein Modell, das unglaublich gut funktioniert.
In Italien gibt es das nicht, aber ich kann es nur empfehlen, denn die Atmosphäre ist wirklich wunderbar. Manchmal finden diese Veranstaltungen in kleinen Kinos mit großen Projektoren statt, während das Publikum vollkommen still ist. Es ist eine andere Art, Leserinnen und Leser an deine Geschichten, deine Welt und den Comic als Ausdrucksform heranzuführen.
Eine weitere positive Entwicklung ist, dass immer mehr deutsche Comiczeichnerinnen und Comiczeichner Bücher für Kinder gestalten. Eltern haben verstanden, dass ihre Kinder, auch wenn sie keine traditionellen Bücher lesen möchten, sehr gerne Comics lesen. Diese können zu einer Brücke hin zum Lesen werden.
Insgesamt glaube ich, dass die Szene sehr lebendig und dynamisch ist. Wir haben Festivals in Hamburg und das große Festival in Erlangen, bei dem wir alle zusammenkommen. Ich habe wirklich das Gefühl, dass die Szene wächst. Generell bin ich, was die Zukunft betrifft, immer optimistisch.
Wie ich bereits gesagt habe: Um Comics zu machen, braucht man nur ein Stück Papier und einen Stift. Sie feiern die Vorstellungskraft und das Erzählen von Geschichten. Geschichten miteinander zu teilen, besitzt eine unglaubliche Kraft, und der Comic ist ein sehr kraftvolles Medium. In Deutschland gibt es inzwischen auch viele unabhängige Verlage und selbstproduzierte Zines. Menschen erschaffen ihre eigenen Szenen, veröffentlichen selbst und verkaufen ihre Arbeiten online oder auf Comicfestivals.
Ich denke, dass es Comics immer geben wird und dass sie eine einzigartige Fähigkeit besitzen, Leserinnen und Leser in eine Geschichte hineinzuziehen. Die Verbindung von Bildern und Metaphern macht die Erfahrung unglaublich intensiv und immersiv.
Vielen Dank, Antonia, und bis zum nächsten Mal.
Interview geführt auf der Salone del Libro di Torino am 16. Mai 2026
Wir danken Diabolo Edizioni für die Unterstützung.
Übersetzung auf Deutsch von Emilio Cirri
Antonia Kühn
Antonia Kühn wurde 1979 geboren. Sie studierte Kommunikationsdesign in Kiel und Illustration an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften HAW Hamburg, wo sie heute ein kleines Animationsstudio betreibt. Ihre Arbeiten wurden mehrfach beim Fumetto Comic Festival in Luzern und beim Comicfestival Hamburg ausgestellt. Außerdem war sie an der Ausstellung Graphic Novel Exhibition in der Stihl Waiblingen Galerie beteiligt.
Ihr erster Graphic Novel, Die Lichtung, erschien 2018 in Deutschland bei Reprodukt und 2020 in Italien bei Diabolo Edizioni. 2026 veröffentlicht sie Genitori Gonfiabili (deutscher Originaltitel: Aufblasbare Eltern), erneut bei Diabolo Edizioni; die deutsche Ausgabe erschien ursprünglich 2024 bei Reprodukt.
