Wie bereits im vorherigen Interview dieser Rubrik mit Jenny Jinya erwähnt, hat der Manga-Boom zwischen dem Ende der 1980er-Jahre und den frühen 2000er-Jahren die Entwicklung des Comics in ganz Europa nachhaltig geprägt. In dieser Zeit gelangten zahlreiche japanische Titel auf den europäischen Markt – von großen Klassikern bis hin zu kurzlebigen Trends. Der Einfluss des Manga zeigte sich nicht nur in den verschiedenen nationalen Stiltraditionen, wo einzelne große Künstlerinnen und Künstler japanische Elemente neu interpretierten und in bestehende Formen integrierten. Anfang der 2000er-Jahre entwickelte sich darüber hinaus eine eigene Strömung, die als Euromanga bezeichnet wird: Comics, die sich stark an japanischen Vorbildern orientieren und sich im besten Fall an den jeweiligen kulturellen Kontext anpassen – wie etwa W.I.T.C.H. von Barbara Canepa und Alessandro Barbucci in Italien –, während andere Werke sich stärker an den typischen stilistischen und erzählerischen Elementen des japanischen Comics orientieren.
Gerade im deutschsprachigen Raum spielte die Entwicklung des Euromanga mit diesen letzteren Merkmalen eine wichtige Rolle, nicht zuletzt aufgrund des Fehlens einer ausgeprägten eigenen Comictradition. Bereits Ende der 1990er-Jahre begannen Künstler wie Guido Neukamm und Benjamin von Eckartsberg – gemeinsam mit Thomas von Kummant Autor der Serie Gung Ho und einer Geschichte in Batman: Welt ohne Helden – mit dem „Manga-Stil“ zu experimentieren. In den 2000er-Jahren trat dann eine Generation auf den Plan, die mit „Brot und japanischen Comics“ aufgewachsen war. Beispiele dafür sind die von Carlsen Comics herausgegebenen Magazine Banzai (2001–2005) und Daisuki (2003–2012), die Geschichten japanischer Mangaka mit Arbeiten deutscher Comiczeichnerinnen und -zeichner kombinierten. In diesen Magazinen veröffentlichten unter anderem Christina Plaka, DuO (das Duo Dorota Grabarczyk und Olga Andryenko), Anika Hage und Nina Werner – echte Pionierinnen dieses Genres. Später folgten weitere Künstlerinnen und Künstler, die sich langfristig etablieren konnten, darunter David Füleki, Martina Peters und Olivia Vieweg sowie jüngere Namen wie Sozan Coskun und Tamasaburo (Pseudonym von Kim Liersch). Im Laufe der Jahre hat diese Strömung trotz verschiedener Höhen und Tiefen überlebt und sich immer wieder weiterentwickelt, ohne jemals ganz zu verschwinden. Dazu beigetragen haben auch neue Verlage und insbesondere die Entstehung von Webtoon und anderen Online-Plattformen, die sich vor allem an Comics mit Manga-Einflüssen richten.
Eine der neueren Plattformen für Euromanga ist das interessante Experiment Manga Issho. Dahinter stehen vier europäische Verlage: der deutsche Verlag Altraverse, Planet Comics aus Spanien, Kana aus Frankreich und der italienische Verlag Star Comics. Ihr gemeinsames Ziel ist es, europäischen Künstlerinnen und Künstlern eine Plattform zu geben und sie über die Grenzen ihrer jeweiligen Heimatländer hinaus bekannt zu machen.
Zu den beteiligten Künstlern gehören auch Gin Zarbo, eine Schweizer Zeichnerin, die bereits seit ihrer Jugend gemeinsam mit ihrer Schwester Ban Zarbo im Comicbereich arbeitet und inzwischen zwei abgeschlossene Werke vorweisen kann – den selbst veröffentlichten Titel Doujinshi Cope Soul und Undead Messiah, erschienen bei Tokyopop – sowie der junge Debütant Max Straub. Zwei unterschiedliche Stile, unterschiedliche Einflüsse, aber eine gemeinsame Leidenschaft für Manga, die sich in ihrer Erzählweise und ihrem Verständnis des Mediums widerspiegelt.
Um diese Leidenschaft besser zu verstehen und herauszufinden, wie ein „europäischer Manga“ entsteht, haben wir die beiden während der Ausgabe von Lucca Comics & Games 2025 interviewt.
Die erste Frage geht an euch beide: Wann habt ihr beschlossen, diesen Weg einzuschlagen, und was waren eure wichtigsten Inspirationsquellen? Wurdet ihr auch von europäischen Mangaka beeinflusst?
Gin Zarbo: Meine erste Inspirationsquelle war meine Mutter. Auch sie war eine große Anime- und Manga-Liebhaberin und las Lady Oscar und Candy Candy. Sie hat mich überhaupt erst in diese Welt eingeführt: Im Fernsehen liefen Anime, und sie sagte dann: „Oh, schau dir diesen Cartoon an“, ohne zu merken, dass es sich nicht einfach um einen gewöhnlichen Zeichentrickfilm handelte.
Ich habe Sailor Moon, Dragon Ball und viele ältere Anime gesehen. Ich war völlig fasziniert von dieser Welt und dachte: „Ich will all das zeichnen.“ Also begann ich, das, was ich sah, aus dem Gedächtnis nachzuzeichnen. Ich war ungefähr sechs oder sieben Jahre alt.
Mein erster Manga war Naruto. Mich hat die Idee fasziniert, dass ein ganzes Buch eine Geschichte allein durch Zeichnungen erzählen kann. Ich habe Naruto sehr viel abgezeichnet, weil ich verstehen wollte, wie der Mangaka die Zeichnungen und den gesamten Aufbau gestaltet. Später wurde Bleach von Tite Kubo zu einem weiteren großen Einfluss. Wahrscheinlich war es das wichtigste Vorbild für die Entwicklung meines Stils, den ich anschließend weiterentwickelt habe.
Damals kannte ich überhaupt keine europäischen Mangaka. Ich zeichnete schon seit fünf oder sechs Jahren, als ich zum ersten Mal in einer deutschen Zeitschrift auf eine europäische Mangaka stieß. Ich war völlig verblüfft und dachte: „Moment mal, man kann in Europa Mangaka sein?“
Ich wollte sie unbedingt kennenlernen, sehen, wie sie arbeitet, und ihre Werke kaufen. Sie heißt Natalie Wormsbeck und zeichnete Manga im Shōjo-Stil. Ich war völlig begeistert von ihr, und durch sie wurde mir klar, dass es tatsächlich möglich war, in Europa Mangaka zu werden.
Max Straub: Als Kind sah ich all diese großen japanischen Künstler wie Eiichiro Oda von One Piece und viele andere. Irgendwann wurde mir klar, dass hinter Anime tatsächlich ein Beruf steckt, und ich dachte: „Oh mein Gott, das ist wahrscheinlich der perfekte Beruf.“
Also habe ich beschlossen, diesen Weg einzuschlagen, und im Laufe der Jahre wurde mir immer klarer, dass ich genau das machen wollte. Was europäische Künstler als Inspiration betrifft, kommt mein Einfluss wahrscheinlich von jemandem, der eigentlich gar kein Mangaka ist: Moebius. Ich liebe seinen Stil, vor allem die Art, wie er mit Linien und Pinselstrichen Schatten gestaltet. Das ist wirklich außergewöhnlich. Wahrscheinlich hat er mich von allen Künstlern am stärksten beeinflusst, insbesondere was die grafische Gestaltung und die verwendeten Techniken betrifft.
Gin, du und deine Schwester Ban zeichnet beide Manga. Habt ihr schon einmal zusammengearbeitet oder könntest du dir vorstellen, in Zukunft gemeinsam an einem Projekt zu arbeiten? Gibt es einen künstlerischen Austausch zwischen euch?
GZ: Wir sind damit aufgewachsen, gemeinsam zu zeichnen und uns gegenseitig zu inspirieren. Ich war stärker beim Erzählen von Geschichten, während sie zeichnerisch besser war. Ich habe ihr bei den Geschichten geholfen, und sie hat mir dabei geholfen, mich zeichnerisch weiterzuentwickeln.
Wir haben einmal gemeinsam eine Geschichte geschrieben, einen Boys’ Love, aber wir haben sie nie veröffentlicht. Damals war es mir einfach zu peinlich.
Max, du bist noch ganz am Anfang deiner Karriere und außerdem sehr jung. Hattest du Zweifel oder Bedenken, als du dich entschieden hast, in Deutschland Comics und insbesondere Manga zu machen?
MS: Zweifel oder Ängste hatte ich eigentlich nicht. Ich habe diese Entscheidung ziemlich selbstbewusst getroffen, auch weil ich früher ein Angebot von einem anderen Studio bekommen hatte. Ich habe mich aber dagegen entschieden, weil ich mich ganz auf das konzentrieren wollte, was mir wirklich Spaß macht.
Natürlich gibt es einige Sorgen, vor allem wenn ich an die Zukunft und die finanzielle Situation denke. Aber ich bin jung und versuche, den Moment zu genießen. Und wahrscheinlich wird das mit Manga Issho und allem, was daraus entsteht, ein großer Erfolg. Ich glaube, dass jetzt genau der richtige Zeitpunkt ist, um Manga zu machen.
Gin, du hast deine Karriere mit Selbstveröffentlichungen begonnen, unter anderem mit Copsoul. Welche Schwierigkeiten hattest du dabei, in Europa Manga zu machen? Hat dir das Selfpublishing geholfen, diese Herausforderungen zu bewältigen?
GZ: Am Anfang wollte ich den Leuten einfach zeigen, was ich zeichnete. In Deutschland gab es eine Plattform namens Animex, auf der viele Künstler ihre Comics online veröffentlichten. Dort habe ich Copsoul, meine allererste Arbeit, veröffentlicht und sehr viel Feedback bekommen.
Die Leser haben mir enorm geholfen, vor allem was das Erzählen von Geschichten betrifft. Damals hatte ich praktisch keine Ahnung von Storytelling. Später habe ich mit einem extrem strengen Redakteur gearbeitet, fast wie mit einem traditionellen japanischen Manga-Editor. Ich musste Storyboards und Seiten immer wieder neu machen, weil sie ihm nicht gefielen. Das war sehr anstrengend, aber ich habe unglaublich viel über Dramaturgie, Rhythmus und logische Zusammenhänge gelernt. Für diese Erfahrung bin ich wirklich dankbar.
Nach dieser Erfahrung hast du mit einigen der größten deutschen Verlagen gearbeitet: zunächst mit Tokyopop an Undead Messiah und jetzt mit Altraverse an The Secret of Scarecrow. Wie war der Übergang vom Selfpublishing zum klassischen Verlagswesen?
GZ: Mein Ziel war immer, Mangaka zu werden. Als ich elf oder zwölf Jahre alt war, kannte ich den Begriff „Mangaka“ noch gar nicht. Ich sagte einfach, dass ich Comiczeichnerin werden und nach Japan gehen wollte.
Als ich dann deutsche Mangaka entdeckte, wurde mir klar, dass ich diesen Weg auch in Europa einschlagen konnte. Ich habe hart gearbeitet, ein Portfolio aufgebaut und mich bei Tokyopop beworben. Am Anfang war ich noch nicht bereit. Es dauerte vier oder fünf Jahre, bis mein erster Manga, Undead Messiah, veröffentlicht wurde.
Dieses Projekt war sehr schwierig, aber ich habe unglaublich viel daraus gelernt. Als mein Editor von Tokyopop zu Altraverse wechselte, bin ich ihm gefolgt, und daraus entstand Alice Scarecrow. Dank der Erfahrungen, die ich bis dahin gesammelt hatte, lief der Prozess wesentlich reibungsloser. Es war, als hätte ich all das, was ich gelernt hatte, in eine neue Phase meiner Arbeit mitgenommen.
The Secret of Scarecrow verbindet Fantasy und Romance und behandelt gleichzeitig Themen wie Toleranz und das Zusammenleben unterschiedlicher Gruppen. Wie hast du die Geschichte und das Design des Antagonisten entwickelt?
GZ: Die Figur des Scarecrow ist während eines Inktober entstanden [einer Challenge, die in den sozialen Medien entstanden ist und bei der die Teilnehmenden den ganzen Oktober über jeden Tag eine Illustration zu einem vorgegebenen Thema erstellen – Anm. d. Red.]. Eines Tages habe ich ihn im Rahmen einer „30 Monsters“-Challenge gezeichnet, und die Community war sofort begeistert. Die Leute wollten immer mehr von ihm sehen, also begann ich, die Figur weiterzuentwickeln.
Es hat ungefähr vier Jahre gedauert, bis ich eine vollständige Geschichte um ihn herum entwickelt hatte. Das Thema Rassismus und Ausgrenzung spielt darin eine wichtige Rolle und ist auch von meinen persönlichen Erfahrungen in meinem Heimatland beeinflusst. Ich wollte diese Themen mit Fantasy verbinden und natürlich auch mit Romance, weil ich Romance liebe und schon immer eine solche Geschichte zeichnen wollte.
Hast du schon eine Vorstellung davon, wie sich die Serie entwickeln oder wie sie enden wird?
GZ: Ich habe drei mögliche Enden im Kopf. Die Figuren bestimmen die Richtung der Geschichte, und je nachdem, wie sie sich entwickeln, wird eines dieser Enden schließlich das endgültige sein.
Max, du hast mit Cursed Assassin gerade bei Manga Issho dein Debüt gegeben. Die Geschichte hat einen sehr düsteren Ton und scheint sich an einigen Klassikern des japanischen Dark Fantasy zu orientieren, insbesondere an Berserk, verbindet aber eine futuristische mit einer historischen Umgebung und greift bewusst die Ästhetik der Gangsterfilme der 1930er-Jahre auf. Wie hast du diese Idee entwickelt und was möchtest du mit dem Manga vermitteln?
MS: Ja, du hast bereits einige meiner Inspirationsquellen genannt, denn ich habe Berserk genau in der Zeit gelesen, als ich Cursed Assassin entwickelt habe. Der Entstehungsprozess war allerdings etwas anders, weil ich zunächst die Hauptfigur Faye entwickelt und anschließend die Geschichte um sie herum aufgebaut habe.
Das Konzept des Fluchs und einige andere Elemente hatte ich bereits im Kopf. Es ging mir nicht darum, etwas völlig Neues zu erschaffen. Ich habe vielmehr darüber nachgedacht, wie ein solches Konzept auch in anderen Geschichten, die ich mag, funktioniert. Deshalb habe ich mich gefragt: Warum sollte ich es nicht selbst als erzählerisches Element verwenden?
Was möchtest du mit diesem Manga vermitteln?
MS: In erster Linie möchte ich eine interessante Geschichte erzählen. Das ist für mich das Wichtigste. Ehrlich gesagt hatte ich aber keine einzelne, klar definierte Botschaft, die ich vermitteln wollte. Die Grundidee war eher, dass wir alle unsere eigenen inneren Dämonen haben, mit denen wir uns auseinandersetzen müssen. Das war einer der Gedanken, die ich bei der Entwicklung der Geschichte im Hinterkopf hatte.
Und auch die Tatsache, dass es manchen Menschen – nur wenigen – gelingt, solchen Situationen zu entkommen. Oder dass sie es gerne würden, es aber nicht schaffen. Wahrscheinlich ist es das.
Ehrlich gesagt habe ich auch noch kein klares Ende vor Augen. Ich weiß aber, dass es mit dem allerersten Fluch verbunden sein wird, der in der Geschichte auftaucht. Er ist Teil der Hintergrundgeschichte, und von dort aus habe ich einige erzählerische Elemente entwickelt, wenn auch ziemlich frei.
Im März 2025 wurde Gin ausgewählt, an Manga Issho mitzuwirken und das Cover der ersten Ausgabe zu zeichnen. In der dritten Ausgabe gab auch Max sein Debüt. Wie wichtig ist ein Magazin dieser Art eurer Meinung nach für Europa, und was erwartet ihr von den Lesern?
GZ: Es ist unglaublich wichtig. Genau wie in Japan ermöglicht ein Magazin den Künstlern, als Teil einer Gemeinschaft sichtbar zu werden. In Europa gibt es unglaublich viele großartige Zeichnerinnen und Zeichner, die mit viel Herzblut an ihrer Arbeit arbeiten, und eine solche Plattform hilft den Lesern, das auch wahrzunehmen.
Ich möchte, dass die Welt erkennt, dass es auch in Europa großartige Mangaka gibt, die spannende Geschichten erzählen können und den Vergleich mit japanischen Künstlern nicht scheuen müssen. Ich liebe diese Community und möchte sie so weit wie möglich unterstützen und fördern.
MS: Für Künstler ist es wahrscheinlich eines der wichtigsten Projekte in der gesamten europäischen Mangaszene. Man kann daran wachsen, und es sorgt für Sichtbarkeit. Wenn du eine Geschichte erschaffst, fühlst du dich nicht mehr allein. Das ist ein riesiger Fortschritt gegenüber früheren Jahren – zumindest im Vergleich zu der Zeit, an die ich mich erinnere. In Deutschland gab es Magazine wie Banzai, aber das war noch vor meiner Zeit. Auch die Präsentation auf Instagram, das Marketing und die ganze Öffentlichkeitsarbeit waren für mich eine große Motivation, mein Bestes zu geben.
Das gesamte Team von Star Comics und Altraverse glaubt sehr stark an dieses Projekt und investiert viel Zeit und Ressourcen. Alle sind unglaublich motiviert und wollen, dass das gesamte Projekt erfolgreich wird. Das ist für mich sehr wichtig. Ich glaube, dass sich die Leser zunächst daran gewöhnen müssen, weil die große Zahl an kurzen Geschichten und One-Shots etwas eher Ungewöhnliches ist. Mit der Zeit wird sich das Publikum aber meiner Meinung nach daran gewöhnen, und dieses Format könnte sich als sehr interessant erweisen.
Es gibt 15 oder 20 verschiedene Geschichten aus ganz unterschiedlichen Genres. Theoretisch kann also jeder Leser mindestens eine Geschichte finden, die ihm gefällt. Das ist eine großartige Chance für alle. Auch die Jury war sehr stark in das Projekt eingebunden.
Wie beurteilt ihr die aktuelle Situation des deutschsprachigen Manga? Und wie sieht es eurer Meinung nach mit dem europäischen Manga insgesamt aus? Spürt ihr den Druck des japanischen Manga oder versteht ihr das eher als Wettbewerb? Welche Perspektiven seht ihr für die Zukunft?
GZ: Ich bin sehr froh darüber, wie sich die Dinge entwickelt haben. Früher haben die Leser uns kaum wahrgenommen. Heute sieht man auf Conventions lange Schlangen vor den Ständen deutscher Künstler, und das freut mich wirklich sehr.
Es gibt noch viel zu tun, aber Verlage und Magazine sorgen für mehr Sichtbarkeit, und inzwischen beginnen sogar das japanische Publikum und japanische Medien, auf uns aufmerksam zu werden. Die Bewegung wächst, und das ist sehr ermutigend.
Ich glaube außerdem, dass der europäische Manga seine eigenen Stärken hat. Wir haben unterschiedliche Kulturen und Geschichten, die es uns ermöglichen, etwas wirklich Eigenständiges zu schaffen.
Japanischer Manga ist natürlich großartig, aber manchmal kann er stilistisch sehr ähnlich wirken. Europäische Künstler können dagegen andere Perspektiven, Traditionen und kulturelle Elemente in den Manga einbringen, und genau das macht ihn besonders. Ich würde gerne sehen, dass noch viel mehr europäische Kultur durch dieses Medium zum Ausdruck kommt.
MS: Über die wirtschaftlichen Aspekte weiß ich nicht besonders viel, aber ich hoffe wirklich, dass die deutschen Manga-Leser stärker wahrnehmen, dass es auch europäische Künstler gibt und nicht nur japanische.
Es gibt unglaublich viele gute und qualitativ hochwertige Geschichten – sowohl zeichnerisch als auch erzählerisch. Das Publikum muss einfach etwas stärker darauf achten, wer hinter diesen Werken steht.
Persönlich glaube ich nicht, dass es so große Unterschiede gibt. Wahrscheinlich wäre es interessant, noch mehr europäische oder kulturelle Einflüsse in die Werke einfließen zu lassen. Ich habe kürzlich mit Joe, dem Verantwortlichen bei Altraverse, darüber gesprochen, und wir haben die Idee eines Manga diskutiert, der in Bayern spielt, meiner Heimatregion.
Diese Idee hat mich sehr überzeugt, weil daraus etwas völlig Neues und Authentisches entstehen könnte – gerade weil ich diese Kultur sehr gut kenne. Das könnte zu einem charakteristischen Element werden, das den Manga vom japanischen Markt unterscheidet.
Was längere und komplexere Geschichten betrifft, sehe ich allerdings keine großen Unterschiede, denn die Grundlagen guten Erzählens sind in jeder Kultur dieselben.
Letztlich entsteht alles aus der Vorstellungskraft, und wenn man weiß, wie man die einzelnen erzählerischen Elemente richtig plant, nimmt eine gute Geschichte am Ende immer Gestalt an.
Interview geführt während Lucca Comics & Games 2025.
Unser Dank gilt Margherita Rofforedi, GDG PR und Star Comics für die Unterstützung.
Gin Zarbo
Gin Zarbo zeichnet seit ihrer Kindheit Manga und teilte diese Leidenschaft schon früh mit ihrer Zwillingsschwester Ban Zarbo. Zu ihren Lieblingskünstlern zählen Makoto Yukimura, Kohei Horikoshi, Yusuke Murata und Gamon Sakurai. 2014 veröffentlichte sie mit Doujinshi Cope Soul ihr erstes Werk im Selbstverlag. Von 2017 bis 2019 veröffentlichte Tokyopop Undead Messiah, wodurch die Künstlerin schnell in die Top Ten der Verkaufscharts gelangte. Seit Ende 2019 arbeitet sie für den Verlag Altraverse an The Secret of Scarecrow.
Max Straub
Max Straub wurde in Lindberg geboren, einer kleinen Gemeinde in Niederbayern im Herzen des Bayerischen Waldes. Bevor er sein derzeitiges Designstudium aufnahm, absolvierte er eine Ausbildung zum Glas- und Porzellanhandwerker und erwarb anschließend die Hochschulreife.
Manga zu zeichnen war schon als Kind sein Traum, nicht zuletzt durch den Einfluss von Werken wie One Piece, Naruto und anderen Klassikern. Zu seinen Vorbildern gehört Kamome Shirahama, die Autorin von Atelier of Witch Hat. Zu seinen weiteren Lieblingsserien zählen Frieren, Black Lagoon und One Piece.
Neben dem Zeichnen spielt er in seiner Freizeit gerne Fußball, trifft sich mit Freunden und schaut Serien.
