First Issue #6 – Le novità a stelle e strisce

Spider-Man Master Plan è una storia autoconclusiva nella quale lo sceneggiatore Robbie Thompson ricostruisce l’atmosfera del suo Spidey, la serie che ha visto protagonista un giovane Peter Parker diviso tra la scuola e le sue avventure ragnesche.
L’obiettivo della serata è andare a vedere lo show più fico del momento, concedendosi una deviazione giusto per salvare un gattino. Sembrerebbe facile ma…c’è del lavoro per Spider-Man. La criminalità di New York è in fermento, tutti i loschi individui indossano un passamontagna e diventano le pedine di un piano apparentemente perfetto.
La storia è molto semplice, come le battute inserite nei balloon, e viene subito dimenticata, non senza però aver regalato un quarto d’ora leggero e divertente. Ai toni scanzonati e al ritmo frenetico della narrazione si attagliano i disegni di Nathan Stockman, abile ad accentuare la mimica dei personaggi e a giocare con gli occhi della maschera di Spidey. La colorazione di Jim Campbell mette in risalto il costume dell’eroe, mentre volteggia su uno sfondo dalle tinte brillanti, sebbene il sole sia già tramontato.
Completa l’albo un recupero d’annata: Duel to the death with the Vulture di Stan Lee e Steve Ditko da The Amazing Spider-Man #2. Seguendo le figure affilate del disegnatore possiamo rivivere la prima apparizione dell’Avvoltoio – guarda caso il villain presente nell’ultima pellicola cinematografica -, l’esordio di Peter come fotografo per JJJ, la creazione di una nuova scorta di fluido di ragnatela e, infine, possiamo constatare che già agli albori l’Uomo Ragno avesse mille risorse.

Questo secondo prologo a Metal prosegue l’opera di costruzione del prossimo mega-evento di casa DC Comics già cominciata con Dark Days: The Forge. Scott Snyder e James Tynion imbastiscono ancora una volta un albo-trailer aprendo molti interrogativi che, presumibilmente, vedranno le loro risposte nei prossimi mesi. A differenza del primo capitolo però The Casting si sviluppa in maniera meno concitata e più discorsiva, gli autori rallentano un po’ e impiegano più energie nel costruire una sceneggiatura che dà più spazio a spiegazioni. Anche la gestione dei disegnatori è più organica: per buona parte dell’albo Andy Kubert, John Romita Jr e Jim Lee si alternano raccontando ognuno tre vicende separate per poi intrecciarsi in maniera più caotica nel momento in cui queste storyline si incontrano. Anche i tre stili dei disegnatori si fanno più coerenti tra loro orientandosi verso un segno più dettagliato e maggiormente descrittivo con Romita Jr a recitare la parte del leone grazie anche alle chine di Danny Miky.
Ancora una volta l’albo sembra essere orientato ai lettori che più conoscono la Storia della DC Comics, tanto è pieno di riferimenti a personaggi e vicende della complicata continuity della casa editrice. Quello che però il successo del Rebirth ha evidenziato è che la vera forza della DC Comics sta proprio nella sua Storia (con la S maiuscola) e in quella dei suoi personaggi: editorialmente e commercialmente è probabilmente questa la strada più giusta da percorrere.

Focalizzato su tre personaggi – supereroi un tempo potenziati (Jason Fisher e Amber Eaton) o semplicemente sponsorizzati per azioni di propaganda (Missy Deveraux) dal Governo USA -, questo primo episodio ne delinea i profili e, mettendo a contrasto il loro passato e il loro presente, ne fa emergere con nettezza le ambiguità e i conflitti entro i quali si muovono. Da segnalare che questa definizione dello scenario si tiene ben lontana dall’effetto spiegone: scorre lungo le sei scene nelle quali è organizzato il racconto (due per ognuno dei protagonisti), tutte costruite intorno a dialoghi. E ogni discussione ruota attorno alla coerenza dei tre personaggi, alla distanza fra i loro ideali, presenti o passati, vissuti o pretesi, reali o costruiti a tavolino per le masse.
Il racconto traccia i contorni di una dissonanza etica che sembra tenere i tre protagonisti prigionieri di una propria proiezione di sé, riducendo le loro azioni a velleità e indebolendo la loro presa sulla realtà. Ognuno in un modo specifico, irriducibile a quello degli altri, vive una vita ai margini, e in funzione del Potere: manovrato (Fincher), strumentalizzato (Deveraux) o in opposizione (Eaton). Si ripetono e ripetono agli altri  che sono ciò che hanno scelto di essere, come tentando di sovrastare la perdita di senso delle loro azioni con la ripetizione continua di un mantra di coerenza, di una storia di sé che guarda al passato. È chiaro, tuttavia, che quella storia non è in grado di aiutarli per decidere/costruire il loro futuro.
A rendere più solida l’umanità dei personaggi, la loro caratterizzazione grafica, che ci offre una Missy imbolsita, un Jason dalle molte smorfie e dallo sguardo che millanta sicurezza e una Amber – al momento dei tre protagonisti la più complessa ma anche quella che (tossicodipendente per superare dolore, ricordi e stanchezza, ma l’uso della droga indebolisce i suoi poteri) corre il maggior rischio di didascalismo -, che fa intuire una bellezza passata.
Godibile autonomamente dalla serie originale, The American Way è anche interessante da leggere in parallelo ad altre serie apparse in questi ultimi mesi, che affrontano una visione distopica degli USA, quali United States of Hysteria o Calexit.

Prendendo il via da dove il film L’Armata delle Tenebre si era concluso, questa serie (nata sull’onda del successo del serial tv in onda sul canale Starz Ash Vs. Evil Dead, come chiaramente esemplificato dall’assonanza nel titolo), vede il nostro Ash Williams venire licenziato dall’S-Mart in cui lavorava, solo per essere immediatamente richiamato all’azione da una donna che lo implora di indagare su alcuni inquietanti fenomeni che stanno avendo luogo nella scuola superiore dove lavora.
Dopo un numero 0 utile a illustrare gli antefatti della vicenda, gli sceneggiatori Chris Sims e Chad Bowers non perdono tempo con questo primo numero e ci mostrano subito l’istrionico protagonista alle prese con il suo nuovo ruolo di docente “sotto copertura”. Un merito del fumetto è quello di riuscire a centrare appieno lo spirito del personaggio; la spacconeria e l’esuberanza che lo contraddistinguono sono qui riprodotte alla perfezione, grazie a dialoghi arguti e in linea con la visione raimiana del personaggio.
Vedere Ash nelle vesti di professore di liceo è esilarante esattamente come ci si aspetterebbe e i momenti in cui interagisce con i suoi studenti sono i più spassosi di tutto l’albo. Purtroppo a tutto il resto non è stata riservata la medesima cura.
La storia che si dipana in questo first issue è estremamente banale e anche lo scontro finale con la nuova tipologia di deadite, benché sia una simpatica variazione sul tema, appare tutt’altro che memorabile. Non si salva nemmeno la blanda caratterizzazione degli altri personaggi coinvolti, soprattutto della comprimaria. Infine, nota dolente anche per i disegni di Mauro Vargas, il cui tratto caricaturale appare fin troppo frettoloso e grossolano.

Miniserie in quattro episodi edita da Red 5, After Eden – scritto da Scott Chitwood – racconta le vicende immediatamente seguenti alla cacciata di Adamo ed Eva dal Paradiso Terrestre. La loro lotta per la sopravvivenza si intreccia a quella fra i fedeli e i ribelli all’autorità divina, rendendoli pedine di un gioco del quale forse non sono nemmeno consapevoli.
Pur contraddistinto da un disegno naturalistico, opera di Rod Thornton (artist) e Garry Henderson (colori), che sembrerebbe adatto alla drammatizzazione ed enfasi delle emozioni, l’albo scorre liscio e senza pathos. Le discussioni fra Adamo ed Eva non vanno oltre il livello del bisticcio, quasi dissentissero sulla scelta delle vacanze invece che della Discontinuità per eccellenza della tradizione ebraico-cristiana, mentre gli scontri fra angeli e demoni restano al livello – fisico e verbale – di un qualunque combattimento fra supereroi o creature fantasy. Regna un’atmosfera di ordinarietà, non turbata da ambiguità che indichino potenziali zone d’ombra: nessuna inquietudine, quindi, ma poco più di un gioco a guardie e ladri, che suscita poche emozioni e minori aspettative. Dall’incipit di un racconto che parla dell’inizio dell’avventura umana ci si aspetta qualcosa di più ambizioso.

Mystery con venature horror, The Sapphire Spectre racconta avventure a cavallo fra il mondo fisico e quello di spiriti, fantasmi e demoni ad esso indissolubilmente intrecciato. Sylvia Sloane, la protagonista, è in grado di muoversi fra questi due piani, trasformandosi nel proprio alter ego spirituale – Sapphire Spectre. Le regole e i meccanismi di questo scenario non sono chiari, ma quello che è immediatamente rivelato è che quella trasformazione richiede che Sylvia muoia.
Penalizzato da uno stile visuale indeciso fra il naturalistico e l’espressionista, che indebolisce soprattutto la resa delle espressioni dei volti, il racconto (autoconclusivo) scorre veloce grazie a una successione serrata di scene brevi, focalizzate sui momenti principali dell’intreccio. Da segnalare il trattamento della voce narrante della protagonista che – con la singola eccezione di una scena di combattimento – non è mai né didascalica né invadente, ma sempre efficace nel trasmettere informazione e contribuire all’atmosfera, largamente costruita attraverso le dominanti cromatiche delle varie sequenze e caratterizzata da emozioni sfumate, messe in scena con chiarezza e senza enfasi. Due esempi importanti di questo approccio: la scelta di inserire il dramma emotivo centrale di questo episodio al di fuori del caso che Sapphire Spectre affronta – dando così un duplice fuoco al racconto – e il tono ironico della voce narrante, che non scade mai nella parodia involontaria dello stereotipo di derivazione hard boiled o di uno pseudo flusso di coscienza.
In definitiva un debutto denso e intrigante, al quale si affianca anche un cortometraggio, The Next Level, ideato e diretto dallo stesso James T. Malloy e disponibile presso www.kickarock.com/sapphire-spectrum.

Edizione digitale dell’omonimo webcomic (www.zeroscomic.com) Zeros di Martin Eden è ambientato in un’epoca nella quale tutti gli esseri umani sviluppano superpoteri, così che uno degli obiettivi del sistema educativo è insegnare ai ragazzi a convivere con essi e usarli appropriatamente. Gli Zeros che danno il titolo alla serie sono i bambini -la serie è fra l’altro classificata “per tutte le età” – che, nonostante l’età, non hanno ancora manifestato i loro poteri. Disegnato in totale bidimensionalità, colori primari e prospettive sghembe – vero piacere per lo sguardo – questo primo numero di Zeros raccoglie tre capitoli e un intermezzo che descrive lo scenario. La narrazione scorre in maniera lineare e brillante, introduce l’ampio cast di personaggi, raccontando un giorno di scuola della classe degli Zeros, durante il quale scoprono quali poteri svilupperanno. Pagina dopo pagina, il racconto sposta il senso di disagio dalla condizione di minorità degli Zeros alla loro ambiguità e chiude su un cliffhanger tanto tipico quanto efficace nel suscitare aspettative.
Online è già disponibile il quarto capitolo, mentre il secondo albo annunciato per l’autunno.