Comunicato Stampa

INCONTRO CON SIMONE PERUZZI

L’artista che lavora ormai con la “casa delle idee” già da diversi anni, comincia la carriera di colorista esordendo sui disegni del pluriaffermato Simone Bianchi sulla serie “Wolverine Evolution”, e proseguendo in questo binomio su quelle di “Astonishing X-men: Ghost Box”, “Thor for Asgard“, “Uncanny X-Force: Fear Itself” e su molte copertine di varie testate Marvel.

In questo momento è impegnato alla realizzazione dei colori di “Wolverine: Sabretooth Reborn.

L’incontro si terrà presso la Dalì Comics School di Vicenza (www.dalischool.it) del quale l’artista è anche insegnante del corso professionale.

Sandman: Dream Hunters esce nel 1999, in occasione del decennale della pubblicazione di Sandman. Il progetto di un’opera per festeggiare la ricorrenza è di Karen Berger, che della saga del Re dei Sogni era stata attenta levatrice; l’idea della collaborazione con Yoshitaka Amano è di Neil Gaiman, che era rimasto ammirato da un’illustrazione realizzata dall’artista giapponese per il decennale di The Sandman (l’opera può essere ammirata nel IV volume dell’edizione statunitense di Absolute Sandman).

Non un banale racconto d’occasione

Sandman – Cacciatori di sogni è un racconto illustrato, scritto da Gaiman in occasione del decimo anniversario della saga di Morfeo e pensato appositamente per Yoshitaka Amano, le cui illustrazioni accompagnano passo passo il testo dell’autore inglese.
La vicenda prende le mosse da una scommessa tra una volpe ed un tasso e su chi dei due riuscirà ad impadronirsi del piccolo tempio con orticello abitato dal giovane monaco. Nessuno dei due spiriti-animali riesce però a soggiogare il monaco ed anzi, la giovane volpe rimane così affascinata da innamorarsene. Il giovane monaco buddista accoglie nel suo piccolo tempio la giovane volpe mutaforma, capace di trasformarsi tra l’altro in una bellissima donna. I due instaurano così un legame, pur sapendo che il loro è un affetto non solo senza speranza, ma, sotto molti aspetti, senza alcun senso, al punto da apparire, anche agli altri personaggi della storia, surreale e addirittura innominabile. Intanto, alcuni demoni tramano nell’ombra, con l’obiettivo di uccidere il giovane monaco, istigati da un nobile locale, esperto nelle cose di magia e frequentatore di una triade femminile. La volpe cercherà di salvare la vita del suo amato spingendosi oltre il mondo reale, nelle terre dei sogni, dove chiederà aiuto al signore Morfeo (che naturalmente appare in forma di volpe), per far salva la vita del suo amato, anche a costo della propria.
Come scrive Gaiman stesso, la storia di Cacciatori di Sogni è originale e volutamente colma di elementi appartenenti alla tradizione giapponese, in modo tale da offrire un campo d’azione ideale ad Amano ^[1] . Come in molti racconti della saga, Morfeo svolge un ruolo critico, ma quantitativamente limitato, rimanendo l’intreccio e l’analisi incentrati sugli altri personaggi e le loro relazioni.

In Cacciatori di Sogni, Gaiman utilizza una lingua pulita ed elegante (da questa discende fra l’altro una generale facile lettura in lingua originale delle sue opere), che consente al lettore di carpire le sfumature e le sottigliezze che la sua scrittura imprime nel testo e nel contesto da cui emergono e in cui si muovono i protagonisti. Questa capacità di “imprimere” rimanda alla cura dei preziosi disegni di Amano, che aiutano a cogliere, con delicatezza di tratto e sfumature, il linguaggio gaimaniano, coinvolgendo il lettore pagina dopo pagina.
L’effetto risultante è un’esperienza di lettura fortemente suggestiva, che lascia la mente del lettore libera ma al contempo assorta e desiderosa di sapere. E questa esperienza di lettura riproduce esattamente l’esperienza del monaco: l’abbandono ad uno stato di trance, sospeso tra il sogno e la veglia pervaso dai profumi soavi e leggeri di un giardino, attraverso il quale la narrazione trascina il lettore a sfogliare con irresistibile avidità una pagina dopo l’altra.

Parte del merito va riconosciuto a Yoshitaka Amano, la cui fama in Occidente è largamente dovuta al suo lavoro come disegnatore sia nel campo dei manga (Five Star Stories), sia dell’animazione (Vampire Hunter D) e dei videogiochi (Final Fantasy). In Dream Hunters, l’approccio di Amano è ovviamente diverso e utilizza uno stile che, oltre a mostrare l’influenza dei fumetti occidentali e dell’Art Nouveau ^[2] , riporta nel tratto le caratteristiche di forza e delicatezza dell’incisione xilografica, arte di lunga tradizione anche in Giappone e di cui l’illustratore è profondo cultore. Grazie alla cura dei dettagli, al calore e alla ricchezza delle combinazioni cromatiche e (perché no) alla sostanziale staticità delle rappresentazioni, Amano riesce ad evocare le passioni dei personaggi, le loro ansie e perfino il timore nei confronti dei poteri evocati dai riti magici. I paesaggi, che Amano mantiene accuratamente lontani da un semplice naturalismo, esprimono il fascino di luoghi che stanno fra il reale e l’immaginario (favolistico o esotico che sia), al tempo stesso bucolici e pieni di mistero, luoghi in cui si può pensare di viaggiare, dove ogni particolare è un elemento, un’allusione a una cultura lontana dalla nostra.

Un passo nella carriera di Gaiman

Oltre ai meriti narrativi e iconografici in sé, l’opera è importante sia come indicatore della carriera di Gaiman, sia perché consente di ragionare sul progetto Sandman, dimostrando la bontà della scelta dell’autore inglese di dargli una conclusione definitiva.
Dal punto di vista della sua carriera, Dream Hunters ci ricorda che Gaiman intende essere un narratore, e non semplicemente un autore di testi per fumetti. E se il fumetto è stato il mezzo che per primo gli ha offerto l’occasione di raccontare storie, Gaiman ha subito investito il prestigio ivi guadagnato in altri campi: narrativa, cinema, televisione. Scorriamo le date delle sue opere, per apprezzare il ritmo della sua ricerca di nuovi territori: nel 1990 pubblica Good Omens (titolo in Italia tradotto fantasiosamente come Niente Apocalissi, per favore), romanzo scritto a quattro mani con Terry Pratchett; nel 1996 scrive la sceneggiatura per la serie televisiva Neverwhere, prodotta dalla BBC; da questa, nello stesso anno, trarrà il romanzo omonimo, che resta una fra le sue opere più ricche di senso del meraviglioso. Nel 1997 realizza con Charles Vess Stardust, un racconto illustrato (che poi ha subito anche pubblicazioni monche di quelle splendide immagini). Nello stesso anno 1997 termina finalmente la saga di Sandman, e si dedica al suo primo romanzo: American Gods verrà pubblicato nel 2001 con enorme successo di vendite e la gloria del premio Hugo 2002 per miglior romanzo dell’anno. Nel 1998 scrive la sceneggiatura per un episodio della quinta stagione della serie Babylon 5 (Day of the Dead). Nel 1999, lo stesso anno di Dream Hunters, scrive l’adattamento statunitense per il film di Hayao Miyazaki, Mononoke Hime.

Siamo quindi di fronte a una carriera in rapida espansione multimediale, che continuerà anche negli anni successivi. Dream Hunters è quindi in questo senso non un’opera spuria, occasionale, ma un tassello importante del percorso di Gaiman, che rimarca la sua capacità di muoversi fra i vari mezzi e fra i vari ambienti produttivi. La diversificazione delle sue opere non comporta mai la sua perdita di contatto con uno dei mezzi.
Mentre scrive romanzi, Gaiman continua a scrivere fumetti, e mentre scrive racconti è attento a promuoverli tramite adattamenti a fumetti: si pensi a Coraline, tratto dall’omonimo romanzo e allo stesso Dream Hunters, entrambi adattati sotto forma di fumetto “puro” da P. Craig Russell.
L’adattamento di Russell è fedele al testo, di cui ripropone ampie porzioni in forma di voce narrante, e tuttavia uno dei momenti migliori del fumetto è la rappresentazione del viaggio del monaco attraverso il sogno, dove molte tavole sono mute. È poi particolarmente interessante dal punto di vista grafico: Russell, affiancato ai colori da Lovern Kindzierki, cattura efficacemente l’esotismo della vicenda con una resa accurata dei personaggi e dei luoghi, dove “esotismo” ha anche il significato ambiguo di “visione occidentale delle cose orientali” – d’altra parte, la storia di Gaiman è scritta come un occidentale si aspetta sia scritta una storia giapponese; paradossalmente l’unico elemento non esotico di Cacciatori di Sogni è proprio il disegno di Amano. Alla linea sottile del disegnatore, Kindzierki affianca una palette cromatica che intende riprodurre quella delle xilografie giapponesi dei secoli XVII-XIX: il risultato grafico, sebbene a tratti possa considerarsi accademico, è di una raffinatezza affascinante.

 Dream Hunters è quindi un volume importante nel percorso di Gaiman e affascinante dal punto di vista iconografico, che certo il grande formato dell’edizione Absolute (Cacciatori di Sogni compare nel V volume della serie) valorizza ulteriormente.
L’edizione italiana del volume risulta purtroppo attualmente esaurito presso la casa editrice: speriamo che presto torni ad essere disponibile.

 Abbiamo parlato di:
Sandman: Cacciatori di Sogni
Neil Gaiman, Yoshitaka Amano
Traduzione di Daniele Brolli
Magic Press, 2005
126 pagine, cartonato, colore – 20,00 €
ISBN: 9788877590763

Note:

1. Cfr. Posftazione a Neil Gaiman, P. Craig Russell: Dream Hunters #2.
2. Vale la pena notare che l’Art Nouveau, in Italia declinata anche come stile liberty, raccoglieva ispirazioni proprio dall’arte orientale, nipponica in particolare.

Comunicato Stampa

NO COMICS, LA FINE DEL FUMETTO.
Di Valentina Capobianco, Andrea Dotta, Elena Grossi, Matteo Manera.

No Comics, la fine del fumetto è una semplice raccolta di quattro storie a fumetti. È atipica, lo si nota in fretta.
Quattro fumettisti per quattro stili totalmente diversi uno dall’altro, nel tratto e nella narrazione. Background culturale, formazione artistica e sensibilità differenti.
Tra i quattro fumettisti che hanno dato vita a questo volume c’è un unico punto in comune: l’attitudine al mettersi alla prova e al confronto che li ha portati a partecipare alla Comic Battle, vera e propria competizione live dove gli artisti si sfidano vignetta dopo vignetta, tenutasi all’interno del No Fest!, festival di musica indipendente, a Torino. La giuria di qualità li ha scelti come vincitori. Qui nasce No Comics, la fine del fumetto.

Questa raccolta, che segue il volume dell’anno scorso (No Comis, il fumetto non esiste, Eris Edizioni, 2011) edito con le stesse modalità, è una sorta di sperimentazione. L’idea è quella di creare una dimensione laboratoriale in cui quattro giovani talenti, ai primi passi della loro carriera, abbiano la possibilità di raccontarci con il loro stile, con la loro sensibilità narrativa, un piccolo pezzo di mondo, a partire da un tema scelto tutti insieme, autori ed editori. Andando al di là delle distinzioni di genere e puntando tutto sulla voglia di fare fumetto e di raccontare. Non si sono cercate storie forti, tematiche altisonanti o l’omogeneità tipica delle raccolte, ma solo la freschezza di una storia, bella in sé per sé, per come è raccontata. Solo il gusto del narrare per immagini, al di là di ogni altra valutazione. Le storie sono nate spontaneamente, senza forzature a partire da un tema che è stato scelto altrettanto spontaneamente.

In questo periodo di crisi mondiale economico-finanziaria e in alcuni casi anche sociale, nell’anno simbolo di ogni profezia sulla fine del mondo, il 2012, è stato naturale scegliere l’Apocalisse, in ogni sua possibile declinazione: l’idea della fine, di tutto, anche del fumetto. Perché dopo ogni fine c’è un nuovo inizio, perché nella fine c’è il caos creativo della rinascita, con i giusti spazi per la sperimentazione, non come ricerca dell’arte per l’arte, ma come pratica. Concetto casualmente affine all’intento editoriale di No Comics. Partendo dall’azzeramento di tutte le considerazioni meramente commerciali che accompagnano l’uscita di un libro, ci siamo concentrati solo sul talento di questi giovani autori. No

Comics la fine del fumetto è un piccolo incubatore per la loro capacità artistica, ancora fresca, imperfetta, ma assolutamente indubbia. Perché per crescere è importante avere la possibilità di mettersi alla prova e di coltivare la propria sensibilità narrativa. In fondo alla base di un buon fumetto c’è sempre e comunque una storia.

Valentina Capobianco, Andrea Dotta, Elena Grossi e Matteo Manera ne hanno creata una per raccontarci la loro visione della fine, come quattro cavalieri dell’apocalisse con la matita in mano. Siamo lieti di invitarvi allo spettacolo della fine del mondo.

No Comics, la fine del fumetto è il primo squillo di tromba, il fumetto ha le ore contate.

www.erisedizioni.org

Ogni scrittore è dotato di quello che si può definire il proprio stile narrativo.
Che sia un romanziere, uno sceneggiatore di fumetti o uno scrittore di script per film o serie tv, solitamente il narratore in questione ricorre a delle influenze o delle atmosfere che col tempo possono diventare riconoscibili e arrivare ad identificare la sua carriera. 
Quando andiamo a vedere un nuovo film di Tim Burton, sappiamo già quali saranno gli ingredienti della storia o il genere di riferimento, allo stesso modo quando leggiamo un libro di Neil Gaiman o quando ci avviciniamo ad un nuovo progetto curato da J.J. Abrams. 
Può capitare che ci siano anche autori che hanno la capacità e il coraggio di cambiare genere e atmosfera nelle proprie opere, ma anche in questi casi il modo di orchestrare la storia e di approcciarsi ai personaggi e alle situazioni seguirà l’inclinazione che questa persona ha applicato in precedenza.

Rodolfo Cimino, tra gli autori disneyani, rappresenta l’esempio più lampante di autore riconoscibile ad occhi chiusi, anche ai tempi in cui su “Topolino” non comparivano sotto la prima tavola delle storie i nomi di sceneggiatore e disegnatore. Il motivo è che la produzione di  Cimino pesca in larga parte da un humus comune, che si fonda su più punti fermi che ne rappresentato l’essenza. Sono stilemi stilistici, narrativi e di sensibilità che differenziavano in maniera significativa le sue storie da quelle di Guido Martina, di Carlo Chendi o degli altri sceneggiatori in forza alla Disney Italia.

Vignetta quadrupla da una storia di Cimino

Non si può non ricordare, per esempio, che praticamente tutte le storie di Cimino si aprono con una vignetta quadrupla che comprende il titolo e un’immagine che riassuma la trama dell’avventura: una scelta che richiama le locandine dei film e che offre una buona vetrina alla storia, anticipandone i temi. 
Ma è andando al contenuto delle avventure che si scoprono i maggiori elementi distintivi: le cacce al tesoro di Paperone con al seguito Paperino e Qui, Quo, Qua, di cui si è già parlato in questo speciale , piuttosto che le storie urbane di Paperino in cui sovente ottiene un riscatto dalle angherie della vita quotidiana, le sfide tra Paperino e Gastone, gli scontri tra Paperone e Amelia, le avventure esotiche di Topolino in compagnia di Minni…

Una costante sono anche le tipologie umane incontrate dai protagonisti: l’autoctono, il vecchio saggio, le popolazioni lontane dalla civiltà, gli studiosi barbuti e competenti in mille materie diverse, gli agenti delle tasse, i miliardari dell’omonimo club. 
Infine, anche la particolare sensibilità dell’autore si riverbera in ciò che scriveva: mi riferisco ovviamente alla romantica saga di Reginella, o al celebre ciclo dei Racconti attorno al fuoco in cui tramite il becco di Nonna Papera venivano tramandate storie positive di coraggio e di buona sorte verso persone che se la meritano. Ma senza arrivare a questi estremi, in moltissime storie dello sceneggiatore si possono riscontrare cenni di benevolenza verso lo sfruttato Paperino, o dei lieto fine per Paperone nel caso non abbia cercato di approfittare arbitrariamente delle situazioni.

Da "Paperino e la fortuna sfortunata" una via di mezzo tra un autoctono e un vecchio saggio

Istintivamente, al lettore occasionale, questo quadro può far pensare ad un autore senza fantasia, uno scrittore che poche cose da dire che ha campato per anni riciclando sempre lo stesso cliché, utilizzando sempre lo stesso modus operandi nelle sue avventure, non osando mai e limitandosi molto, per pigrizia o mancanza di coraggio.
Niente di più sbagliato.

Il segreto di Cimino stava nella rara abilità del riuscire a raccontare il mondo intero senza sentirsi costretto a uscire da queste situazioni e dinamiche a lui così care.
Non aveva bisogno di smettere di scrivere di cacce al tesoro per poter esplorare nuovi tratti di Paperone: Cimino conosceva così bene il personaggio che ha saputo mostrarcelo in tutti i suoi risvolti, sempre nuovi e sorprendenti, facendolo recitare nei viaggi in posti sperduti del mondo o nelle battaglie contro Amelia e i Bassotti o all’interno della vita quotidiana nel suo Deposito. Senza dover cambiare schema a tutti i costi, l’autore ha saputo regalarci per anni una delle migliori caratterizzazioni di Paperon de’ Paperoni, sempre dinamico e con mille sfaccettature, e sempre rendendolo interessante.
La stessa cosa vale per il ricorrere a figure classiche come il vecchio saggio o il popolo strambo: dal momento che in ogni storia i particolari distintivi di questi comprimari variavano a seconda della trama e del messaggio che Cimino voleva trasmettere, si eliminava il problema della ripetitività e ciò consentiva all’autore di mettere a fuoco varie contraddizioni della società civile e moderna senza dover uscire dal proprio rodato modo di scrivere.

Riuscire a costruire un proprio corpus narrativo in questo modo è impresa delle più ardue, che negli autori moderni vedo infatti molto raramente, dal momento che può risultare più immediato cambiare totalmente genere e registro narrativo per parlare di temi diversi; allo stesso modo, è più facile sfruttare le stesse situazioni senza preoccuparsi di cambiare le carte in tavola per parlare di un certo argomento o per trasmettere determinate sensazioni. 

Il classico esempio di vecchio saggio ciminiano da "Zio Paperone e la fiamma fredda"

Ma proprio perché il meccanismo è delicato, lo stesso Cimino a mio parere non sempre è riuscito negli intenti che ho cercato di descrivere. Nell’arco di una carriera lunga decenni è più che comprensibile, ovviamente, ma è giusto sottolineare che non mancano i casi in cui questi temi ricorrenti abbiano assunto l’aspetto dell’abusato cliché senza guizzi, oppure in cui situazioni e personaggi offrivano solo lo stereotipo già visto più volte senza dare l’impressione di aggiungere qualcosa rispetto al passato. E’ un difetto che ho riscontrato soprattutto nella produzione degli ultimi anni, il che può essere anche comprensibile, pensando come detto alla difficoltà nel gestire questo modo di raccontare storie.

Gli autori di “Topolino” hanno il grande compito di raccontare il mondo rimanendo all’interno della disneyanità: Rodolfo Cimino aveva scelto di costruirsi un sottoinsieme di questo universo fantastico e di muoversi quasi esclusivamente al suo interno, perpetrando comunque il proposito iniziale di parlare al pubblico di tutto quello che ci circonda, il più delle volte riuscendoci.
Tanto di cappello.

Francesca Capellini nasce a Bergamo nel 1978. Appena laureata in Storia dell’arte al DAMS a Bologna , nel 2004 vince una borsa di studio per la Bristol School of Animation in Inghilterra. Nel 2005 torna in Italia per lavorare nello studio d’animazione Lastrego & Testa Multimedia. Si diploma in illustrazione all’Istituto Europeo di Design di Torino.
Nel marzo 2010 inizia a pubblicare i suoi primi lavori di graphic journalism per la rivista di fumetti “ANIMAls”. Da ottobre 2010 lavora come illustratrice per diversi quotidiani italiani e internazionali e crea collage d’arredamento. Nel febbraio 2011 si trasferisce a New York, per poi spostarsi a Parigi, dove attualmente vive e lavora.
www.francescacapellini.com
www.lacasaapois.blogspot.com

Khmer è un’inchiesta basata sull’esperienza di viaggio di Francesca Capellini accanto a un suo amico cambogiano, adottato in tenera età da una coppia francese che, dopo 36 anni, decide di intraprendere un viaggio alle proprie origini, scoprendo finalmente il paese che aveva conosciuto solo attraverso i libri e i documentari.

Un viaggio in una terra che a tanti occidentali pare così lontana e misteriosa, al fianco di un amico, alla ricerca delle proprie origini. Con che spirito sei partita per la Cambogia e con quali preconcetti?
Devo premettere che sono una viaggiatrice compulsiva, incosciente, curiosa e a volte un po’ matta quindi per me era un’occasione unica di andare in una nazione così lontana.
Non avevo nessun preconcetto, e non ho letto nemmeno guide o testi a riguardo. A me piace scoprire un luogo senza organizzarmi troppo.
Le uniche informazioni più accurate che avevo preso erano quelle mediche e alimentari su quali trattamenti era obbligatorio fare per non rischiare troppo sulla salute.
Ovvio che avevo però coscienza della portata emotiva di questo viaggio per Fabrice, il mio amico, ma ai suoi dubbi io rispondevo sempre con grandi sorrisi e forza di volontà.
Ero sicura che sarebbe stato un viaggio incredibile.
E che era ora che lui lo intraprendesse.

Quali aspetti ti hanno sorpresa di più, cosa ti ha dato dolore, cosa allegria? Soprattutto, cosa ti ha lanciato questo viaggio?
La cosa più bella della Cambogia e che non scorderò è proprio la gente.
Non ho mai conosciuto persone più gentili, delicate, ben educate, sorridenti.
Tutti parlavano inglese quindi abbiamo potuto parlare e sentire le storie anche dei bambini.
Ovviamente è un paese molto povero quindi abbiamo assistito a scene che ti chiudono lo stomaco, le condizioni di vita in alcune zone sono terribili, il clima non aiuta e le migliaia di zanzare neppure, abbiamo visti bambini abbandonati per strada, bambini misteriosi che vivevano nella giungla, mutilati dalle mine ovunque. Quello che mi dava dolore era vedere come il peso di una vita in Cambogia sembra essere più leggero che in occidente.
Tutto si regge su equilibri fragilissimi. Una vita si può spezzare in un attimo ma a nessuno importa, mentre in occidente tutto sembra più importante. E questo mi faceva stare male, perché non è giusto.
L’essere umano inteso proprio come “essenza dell’umano” è lo stesso ovunque si vada. Nessuna vita vale più di un’altra.
Allegria? Beh i mercati!!! Io sono una appassionata di mercati e ci sono andata ovunque anche nei paesini più sperduti. Ma non ho mai visto tante mosche e tanta polvere insieme. E che odori.. Carni e pesci lasciati sotto il sole con poco ghiaccio vanno in putrefazione molto presto. Però ero troppo felice nel vedere tanti prodotti sconosciuti. E ci fermavamo sempre a mangiare le specialità (cotte) sul posto, non i grilli e i ragni certo! Ma le zuppe e le fritture erano deliziose. Alla fine è nelle botteghe dei mercati che si mangia meglio.
Cosa ha lasciato: un senso del sacro diverso. Io che non sono credente ho amato molto guardare i templi, le piccole statue, annusare gli incensi.
E in quei giorni è nato anche il pensiero di voler condividere il senso di morte e di dolore che ho visto nei volti di chi è stato ucciso durante il regime dei Khmer Rouge. Questo è una cosa che è difficile da dimenticare.

I disegni sono stati fatti sul posto o solo dopo? Se sì, cosa ha significato avere la matita come tramite tra te e quel che vivevi? Un diverso modo di guardare o un senso maggiore di responsabilità?
Una parte dei disegni è stata fatta sul posto, sopratutto quelli della gente, dei mercati e dei motorini. Purtroppo il clima non aiutava a rimanere seduta a disegnare, faceva troppo caldo e la china si asciugava subito.
Sul luogo mi è sembrato più facile raccogliere le testimonianze e i racconti delle persone.
Un’ altra parte dei disegni della mostra invece è stata creata basandosi su mie foto e su video.
Naturalmente i disegni fatti sul carnet durante il viaggio hanno un’immediatezza e portano con sé un preciso stato d’animo che quelli post non hanno.
La responsabilità l’ho messa tutta nei testi che accompagnano la mostra.

Dal tuo blog emerge la passione per la fotografia. Un mezzo diverso di mostrare, di proporre immagini, Dove la foto è più efficace per narrare e ricordare, e quando invece il disegno diventa maggiormente capace, o necessario?
Devo ammettere che cominciato a disegnare da poco, sono solo 4 anni, prima non avevo mai coltivato questa parte di me. E questo mi faceva molto soffrire.
Per compensare il mio desiderio di esprimermi in immagini fotografavo tanto. Tutto. Prima con una vecchia reflex e poi con una digitale.
Con la digitale ho iniziato anche ad aprirmi un blog, e da quel giorno è cambiato tutto.
Mi potevo confrontare ed aprire con una comunità molto grande e il mio desiderio di esprimermi è cresciuto esponenzialmente, fino a che a 28 anni ho deciso di iscrivermi allo Ied e li veramente ho trovato la mia strada.
Poi unire foto e disegni è venuto automatico.
La foto mi piace perché in un attimo racchiudi tutto, atmosfera, luce, odori, emozioni.
E’ stimolante prendere foto, crea piacere fisico sia nel farlo che nel guardarle.
E’ un antidepressivo per me.
Mentre disegnare è ancora un atto delicato, spesso mi pongo dubbi sulla qualità di quello che faccio, sul valore estetico e sulla non banalità.
Ma poi quando mi lascio andare, creo la giusta atmosfera attorno a me, metto una musica evocativa entro in trance e vado avanti per ore.
Il disegno è più facile per narrare, crea uno spazio dilatato in cui può entrare un racconto, un’intervista.
La foto ferma tutto, quindi può anche aiutare per esprimere in maniera più intensa un sentimento.

Khmer in questo senso unisce foto e disegni?
Come hai scelto cosa rappresentare in foto e cosa con i tuoi disegni? Come si integrano l’un l’altro?
La mostra sarà composta di tante foto e tanti disegni.
A me piace moltissimo lavorare con entrambi i mezzi e penso che i pezzi di graphic journalism più belli siano proprio basati sull’integrazione dei due.
Io non avrei potuto prescindere uno dall’altro.
Proprio perchè quando uno guarda o legge i disegni pensa che ricreino una realtà che non esiste.
Io ho messo foto anche molto dure perchè tutte quelle atrocità e quelle bellezze esistono davvero.
Le foto sono il mio occhio sulle cose, un occhio che non può ingannare o addolcire.

Alla fine del viaggio, cosa ha trovato il tuo compagno di viaggio tornando alle sue origini?
Questa è la sua risposta:
Questo viaggio in Cambogia mi ha dato una maggiore consapevolezza sulle mie origini, da dove vengo e chi sono. Mi ha anche aiutato a capire quanto sia stato fortunato ad essere stato adottato in un paese dove sono potuto crescere e rimanere vivo…

Mettendosi nei suoi panni avresti fatto la sua stessa scelta di intraprendere questo viaggio?
Si lo avrei fatto. So che Fabrice ha aspettato di trovare la persona giusta per partire.
Io sono una donna molto decisa e abbastanza forte e questo forse lo ha convinto che non doveva avere paura. In più siamo partiti anche con una grande dose di incoscienza.
Io forse però nei suoi panni sarei partita da sola.
Proprio per vivere anche con dolore e disorientamento un viaggio a ritroso.
Tra me a Fabrice poi sono io la vera investigatrice, credo che lui si sia costruito una bella armatura per non farsi troppo male.
Io ho ritrovato dopo 36 anni l’infermiera americana che si prese cura di lui i primi mesi.
E’ stato molto commovente scriverle.
Perche lei si ricordava con enorme affetto di lui, ha voluto vedere le sue foto.
Per come sono fatta io… andrei ancora più a fondo, fino al primo orfanotrofio dove fu trovato.. ma qui sarà soltanto Fabrice a decidere.
Io già ho fatto troppo e lo devo rispettare.

Parte del tuo lavoro è uscito su Animals, quindi in mostra, è prevista l’uscita sotto forma di libro?
No, devo dire di no è ancora troppo presto forse.
Ma è il mio obiettivo. Vorrei sviluppare questo argomento e ritornare in Cambogia a raccoglie molte altre interviste. Sai quando senti di essere legata profondamente a un tema. Ecco questo è il mio tema per ora.

Comunicato Stampa

Omaggio a Sergio Bonelli
Al MARTE, una mostra dedicata al grande editore di fumetti e al genere western
Venerdì 25 maggio, ore 20.30
MARTE Mediateca, Arte, Eventi – Cava de’Tirreni (Sa)

Al MARTE Mediateca di Cava de’Tirreni, il vernissage della mostra dedicata all’editore Sergio Bonelli: “Tex e i fumetti di Sergio Bonelli disegnati da autori campani”. Il genere western nell’immaginario culturale italiano e le tavole di fumettisti campani della scuola bonelliana. La mostra è a cura di Gino Frezza, professore ordinario di Sociologia dei processi culturali all’Università di Salerno, e Mario Punzo, direttore della Scuola italiana di Comix. Dj western-sound di K. Lone.

Nel pomeriggio, alle ore 17.30 presso la Sala del Gonfalone del Comune di Salerno, una tavola rotonda su “Il western e l’avventura nell’immaginario italiano”, con Giancarlo Berardi, Mauro Boselli, Sergio Brancato, Raffaele De Falco, Gino Frezza. Saluti di Vincenzo De Luca ed Ermanno Guerra.

Il MARTE Mediateca, venerdì 25 maggio, alle ore 20.30, ospita il vernissage della mostra dedicata all’editore Sergio Bonelli, figura centrale per il mondo fumettistico italiano. “Tex e i fumetti di Sergio Bonelli disegnati da autori campani”.
L’incontro tra il MARTE Mediateca, l’Università degli Studi di Salerno (Dipartimento di Scienze Politiche, Sociali e della Comunicazione, Dipartimento di Scienze del Patrimonio Culturale, Dipartimento di Studi Umanistici), la Sergio Bonelli Editore, il Comune di Salerno (Assessorato alla cultura e all’università) e la Scuola italiana di Comix, costruisce un intenso momento di riflessione sul fumetto e sul genere western, forma di immaginario che ha plasmato la cultura di molte generazioni di italiani. In tale contesto, i fumetti della Sergio Bonelli Editore ricoprono un ruolo fondamentale. La mostra del 25 maggio presenta le tavole di autori campani di Tex e di altre serie di Bonelli.

«È una raccolta, un’antologia vasta della cultura del fumetto italiano, che vuole mettere in risalto gli artisti del nostro territorio» ha dichiarato Gino Frezza, professore ordinario di Sociologia dei processi culturali presso l’Università di Salerno, che cura la mostra con Mario Punzo, direttore della celebre Scuola italiana di Comix di Napoli. In effetti, molti sono gli artisti campani che hanno contribuito all’odierna evoluzione della Bonelli Editore, come il disegnatore salernitano Bruno Brindisi, Peppe De Nardo sceneggiatore di Julia e Dylan Dog, Claudio Falco, sceneggiatore di Dampyr, o napoletani come Gianluca e Raul Cestaro, Giuseppe Ricciardi, Alessandro Nespolino, o i più affermati Daniele Bigliardo, Raffaele Della Monica, Roberto De Angelis, Ernesto Pugliese, Luigi Siniscalchi, Giuliano Piccinino. Molti di più sono, però, i nomi dei disegnatori campani che la mostra permetterà di conoscere e di apprezzare da vicino.

Sempre sulla scia del fumetto “targato” Bonelli e del genere western, nel pomeriggio alle ore 17.30 presso la Sala del Gonfalone del Comune di Salerno, viene organizzata una tavola rotonda su “Il western e l’avventura nell’immaginario italiano”, con Giancarlo Berardi (creatore del fumetto western “Ken Parker”, del fumetto noir “Julia”); Mauro Boselli (sceneggiatore che ha rilanciato negli anni novanta un fumetto d’avventura come “Zagor” oltre che sceneggiatore di “Tex”, nonché ideatore e capo scrittore della bellissima serie fantastica-horror “Dampyr”); Sergio Brancato, professore associato presso la Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università degli Studi di Salerno, dove insegna Sociologia della comunicazione; Raffaele De Falco (storico del fumetto e autore di saggi sul fumetto e su Tex); lo stesso Gino Frezza, curatore della mostra e Presidente dell’area didattica di Scienze della comunicazione presso l’ateneo salernitano. Saluti del Sindaco di Salerno, Vincenzo De Luca, e dell’Assessore alla Cultura e all’Università del Comune di Salerno, Ermanno Guerra.

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Ettore Gabrielli
ettore.gabrielli@lospaziobianco.it

Direttore editoriale de www.LoSpazioBianco.it

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Comunicato stampa

Sabato 9 giugno 2012 alle ore 21:00, a cena con Giuseppe di Bernardo, autore di fumetti (Diabolik, L’insonne, The secret), editor presso Star Comics e docente della Scuola Internazionale dei Comics di Firenze.

Gli organizzatori di questa prima, e speriamo non unica, serata si fanno chiamare “Gli amici del giornalino“, sono un gruppo di appassionati di fumetto, animazione e collezionismo di Pistoia. Il loro logo è disegnato da Franco Bacci, in arte BAC.

La cena si terrà al ristorante Apicio, in via del Duca 8 a Pistoia. Telefonare per prenotazione obbligatoria al 380-6923482.
La cena è a numero chiuso, affrettatevi!

Quando Nick Yorgis, meccanico di fiducia e amico di Julia, viene investito da un’auto pirata, la criminologa inizia la propria indagine personale. La sceneggiatura di Giancarlo Berardi e Lorenzo Calza riesce a raccontare con un ottimo ritmo una vicenda in cui, come spesso accade nella serie, sotto i riflettori sono più gli antagonisti che la titolare della testata. La caratterizzazione della giovane coppia di criminali protagonista dell’albo è ben riuscita: ad una comparsa in scena quasi irruenta segue una ricostruzione del loro background che ne chiarisce meglio motivazioni e personalità. Con la consueta empatia viene tratteggiata la psicologia dei due fuorilegge per caso, carnefici ma anche (soprattutto?) vittime di contesti familiari degradati. Ben calibrati i dialoghi che riescono a dare tridimensionalità anche ai personaggi che, in questo numero, appaiono fugacemente.
Un numero abbastanza tipico dove non mancano alcune delle piacevoli soluzioni narrative (l’incontro tra Julia e la coppia criminale) che fanno della lettura della serie un’esperienza piacevole e non scontata. Da segnalare i disegni di Roberto Zaghi, ricchi di dettagli e personalità e dotati di una forte carica espressiva apprezzabile soprattutto nei primi piani.

Abbiamo parlato di:
Julia #164 – Come le furie
Giancarlo Berardi, Lorenzo Calza, Roberto Zaghi
Sergio Bonelli Editore, Maggio  2012
130pagine, brossurato, bianco e nero – 3,20€
ISBN: 9771127177005

Comunicato stampa

Il 19 maggio 2012 alle 11, a Palazzo d’Attimis, incontro con Mario Gomboli e Gabriele Ferrero alle 11 a Palazzo d’Attimis. Insieme a Dario Righetto (Graphistudio) presenteranno con Salvatore Oliva l’albetto a fumetti Diabolik – Colpo a Castello Ceconi, realizzato appositamente per l’occasione. 

L’incontro verterà sull’albetto dal sapore glocal, con un Diabolik impegnato a svaligiare il maniero di Maniago, ma anche sulla storia della nascita del re del terrore. Questo, grazie ai contributi di Mario Gomboli, massimo dirigente della casa editrice Astorina, che pubblica da cinquant’anni il nero a fumetti più famoso del mondo, e di Gabriele Ferrero, storico del fumetto e giornalista milanese.
Modererà Salvatore Oliva, esperto di settore.. 

A seguire, estrazione a sorte tra il pubblico di un pugnale diaboliko realizzato dall’azienda Maserin di Maniago, e un buffet.

Per informazioni: www.graphistudio.com/dkm50

L’ultima produzione del prolifico Jason è una raccolta di racconti che non si distanziano particolarmente dal tono malinconico e riflessivo a cui da anni ha abituato il pubblico.
Segnando in un certo senso un ritorno a uno stile più scarno ed essenziale rispetto al precedente Isle of 100.000 graves, discutibile variazione sul tema (qui il nostro articolo), che si avvaleva di tentativi comici non sempre riusciti e vedeva per la prima volta Jason soltanto come disegnatore.

Nei sei racconti di Athos in America torna a indagare, spesso con malinconica rassegnazione, alcuni dei momenti più difficoltosi dei rapporti umani: ricerca di se stessi, perdita, inganno, successo. Ognuno di questi, e altri ancora, vengono raccontati da Jason in ogni singolo racconto, decostruendo le relazioni tra uomini talmente spogliati della loro individualità da diventare animali antropomorfi incastrati in contesti cittadini asciutti e spogli, e confinati in stanze schematicamente e rigidamente inserite nella tavola, come gabbie prigioniere a loro volta di altre gabbie.
La storia che dà il titolo al volume chiude il volume e si inserisce nel filone più surreale della produzione di Jason, di cui fanno parte titoli come Werewolves in Montpellier o I Killed Adolf Hitler (del quale è stata annunciata la trasposizione cinematografica). Racconta di un Athos – quello dei Tre Moschettieri – improbabilmente capitato nella New York di oggi dopo aver lavorato come attore in un film su di lui e i moschettieri. Lì finisce per raccontare le sue frustrazioni a un barista, in una lunga sequenza che unisce scene di introspezione da cinema noir americano alla comicità imbarazzata e confessionale alla Woody Allen.

A precedere questo racconto, So long Marie Annie (Addio Mary Annie), sua classica storia di tradimento ed inganno, dove le relazioni tra i protagonisti non sono mai come sembrano.

Altri due notevoli momenti della raccolta sono Tom Waits on the Moon e A Cat from Heaven. Il primo, il cui titolo è un gioco di parole col nome del noto cantautore americano, traducibile sia con Tom aspetta sulla luna che Tom Waits sulla luna, racconta le frustrazioni di quattro personaggi diversi che si alternano pagina per pagina e solo nell’ultima vengono uniti dal destino.

A Cat from Heaven è invece probabilmente il primo incontro di Jason con l’autobiografia. Lui stesso, rappresentato con le sembianze di un cane, si ritrova afflitto da problemi amorosi e in alcune situazioni sconvenienti. Nonostante il tono autocommiserativo del racconto, è divertente notare come Jason in più momenti si prenda gioco della celebrità inserendosi in vicende da vera star.

Nel complesso, i sei racconti si possono sì considerare variazioni su temi cari a Jason, ma vista la sua ormai vasta produzione, è inevitabile che l’autore continui la sua esplorazione, rivisitazione e perfezionamento di ciò che più gli è caro raccontare.
E lo fa incredibilmente bene, riuscendo a rendere sempre più incisive ed efficaci le sue soluzioni, sia narrative che grafiche.

Abbiamo parlato di:
Athos in America
Jason
Fantagraphics, 2012
196 pagine, spillato, colori – 24,99 $
ISBN: 978-1-60699-478-8

 Comunicato Stampa

Per la prima volta a Milano, l’iniziativa approfondirà il tema delle professioni del fumetto attraverso convegni, career days, seminari e incontri con autori ed editori. Tra gli ospiti: Luca Enoch, Paola Barbato, Federico Memola, Roberto Rinaldi, Lola Airaghi, Fabrizio Russo, Paolo Castaldi e il direttore di Disney Publishing, Gianfranco Cordara. In programma anche un convegno sul diritto d’autore e fumetto nell’era digitale.

Un evento che rimetta al centro le professioni legate alle arti grafiche e favorisca l’incontro degli autori emergenti col mondo del lavoro. E’ questo il filo conduttore dell’ottava edizione di Fullcomics & Games, convention nazionale dedicata al fumetto e alle arti grafiche che, per la prima volta, dal 18 al 20 maggio 2012, animerà lo Spazio Originale di Via Savona 55/A, nel quartiere moda e design di Milano. L’evento è patrocinato dal Comune di Milano, settore “spettacolo, moda e design” ed è organizzato da Connect24 Consulting.

Il format é semplice ma inedito: unire in un’unica location le realtà professionali del mondo del fumetto e delle arti grafiche, favorire l’incontro tra autori ed editori, approfondire temi e sfide del mercato e delle professioni. Il fumetto viene esclusivamente trattato come arte e, al tempo stesso, mestiere. Il messaggio é chiaro: un “concept event” dove il fumetto viene inserito, al pari delle arti creative, in un contesto professionale.

Le principali iniziative nella tre giorni di Fullcomics saranno il convegno nazionale dedicato alle questioni legali e alle opportunità professionali del fumetto digitale; e poi i career days del fumetto e delle arti grafiche dove vari editors di case editrici incontreranno i giovani autori per veri e propri colloqui di lavoro. Lo spirito di quest’ultima iniziativa sta nella formazione e nella crescita che può derivare ad un giovane autore dall’approccio con realtà aziendali. I colloqui avranno un giusto tempo e gli editors garantiranno la massima disponibilità e costruttività nel colloquio indipendentemente dall’esito.

Al fianco delle due iniziative “a iscrizione” ci saranno numerosi eventi a INGRESSO GRATUITO quali le presentazioni e incontri con autori, il bookshop, le premiazioni del concorso Gran Premio Autori ed Editori (riconoscimento che l’organizzazione da ogni anno alle migliori realtà e pubblicazioni del mondo del fumetto, con particolare attenzione al territorio nazionale e alla diffusione dei nuovi formati digitali), l’area showroom con tavoli espositivi di autoproduzioni, scuole, associazioni culturali e una mostra espositiva con tavole degli autori Sebastiano Vilella e Ivan Zoni.

PRINCIPALI APPUNTAMENTI:

Venerdì 18 Maggio ore 15.30 – “Oltre la replica. Il futuro del fumetto nei media digitali” – Conferenza direttore Disney, Dott. Gianfranco Cordara.

Sabato 19 Maggio ore 11.00 – La Nuova Economia del Fumetto. Seminario con Lucio Staiano e Sergio Nuzzo.

Sabato 19 Maggio ore 15.00 – Incontro con l’autore: Paolo Castaldi (Nuvole Rapide, Etenesh)

Sabato 19 Maggio ore 15.00 – Firme con l’autore: Roberto Rinaldi (Dylan Dog) allo stand Postcardcult

Sabato 19 Maggio ore 15.40 – Incontro con l’autore: Paola Barbato (Davvero)

Sabato 19 Maggio ore 16.30 – Incontro con l’autore: Federico Memola (Jonathan Steele, Agenzia Incantesimi, Harry Moon)

Sabato 19 Maggio ore 17.15 – Anteprima gioco di ruolo: Destino Oscuro

Sabato 19 Maggio ore 18.00 – Il dibattito: L’Omofobia nel fumetto italiano, un male necessario? – a cura di Queercomics

Sabato 19 Maggio ore 19.00 – Premiazioni: Gran Premio Autori ed Editori

Domenica 20 Maggio ore 15.00 – Firme con l’autore: Lola Airaghi allo stand Postcardcult

Domenica 20 Maggio ore 15.00 – Firme con l’autore: Fabrizio Russo (omaggio a Martin Mystère nell’anno delle celebrazioni per i 30 anni di vita editoriale) allo stand Postcardcult

Domenica 20 Maggio ore 16.00 – Incontro con l’autore: Luca Enoch ripercorre 20 anni di carriera

Per informazioni sull’evento e il programma completo: www.fullcomicsandgames.com/2012

Uno dei temi che ricorrono nelle avventure scritte da Rodolfo Cimino è quello della giustizia. Una giustizia che solitamente ha poco a che fare con quella delle aule di tribunale, che vanta di essere “uguale per tutti” quando purtroppo non sempre lo è.
Cimino rifugge dalla giustizia umana, che in quanto tale è fallace, e fa appello a una sorta di giustizia cosmica, che può essere interpretata come qualcosa di natura religiosa per i credenti, così come qualcosa legato a una sorta di simmetria dell’universo.
Fatto sta che l’autore ha suggerito in moltissime sue storie che ci sia un ritorno per le nostre azioni, che niente resterà impunito e che sostanzialmente chi compie azioni negative e scorrette prima o poi debba aspettarsi di essere ripagato con la stessa moneta.
Scenario utopistico? Forse, ma il fatto che almeno in quel contesto questa regola funzioni è sicuramente piacevole per il lettore adulto, e per i ragazzini rappresenta un insegnamento davvero non da poco, che potrebbe contribuire a renderli persone migliori negli anni successivi.

Paperone è intrinsecamente onesto: lo afferma Barks, ci costruisce sopra una mitologia intera, Don Rosa e anche Romano Scarpa ci tiene a ricordarlo in alcune occasioni. Anche per Cimino questa caratteristica è imprescindibile dal carattere di Paperone, che per quanto dotato di animo capitalista va fiero dell’aver guadagnato il suo denaro sempre nel rispetto della legge e del prossimo.
Ma Cimino sa anche che Paperone, per come lo intende lui, è anche un bambinone: e i bambini, com’è noto, non sono sempre buoni e corretti, ma hanno una componente di egoismo primordiale non ancora frenato dalla ragione. Mischiando quindi queste due qualità l’autore è consapevole del fatto che rendere il personaggio sempre irreprensibile potrebbe alla lunga diventare poco credibile. 
Da qui alcune storie in cui il lato prevaricatore dello Zione si scatena in vista di una fonte di guadagno per la quale non esita a travolgere popoli innocenti e ingenui o diritti delle altre persone. 
E’ bene notare che tali azioni riprovevoli non sono mai compiute con intenti puramente e volutamente negativi, sono quelle stesse pulsioni che muovono i bambini, come dicevamo prima; ma a fronte di ciò, Cimino sente il bisogno di affermare che un adulto non può permettersi tali atteggiamenti, specie in una posizione così autorevole, e di conseguenza interviene raddrizzando i torti. Da quel che ricordo io, non c’è avventura ciminiana in cui dopo una scorrettezza o una furberia di Paperone non ci sia un contrappasso che l’anziano papero debba scontare. 

E’ una concezione sicuramente molto interessante, mutuata dalla tradizione della favola classica, che riesce ad appagare il lettore grazie alla bravura con cui Cimino riesce ad adattarla alle avventure Disneyane: sapere che chi si comporta male troverà, magari non nell’immediato ma nel lungo termine, una punizione di qualche tipo assicura quel sentore di giustizia che molto spesso nel mondo reale si riesce difficilmente a percepire, e che è causa spesso di scoramenti o di mancanza di impegno verso un certo tipo di azioni.
Lo sceneggiatore, con questa visione che io penso sia stata molto cara alla sua persona, dona una nota importante di speranza a chi legge una sua storia di questo tipo. Che peraltro si applica, all’inverso, anche con Paperino.
Storie come Paperino e la fortuna sfortunata rientrano proprio nell’intenzione di Cimino di riscattare le sorti di Paperino, com’è noto quasi sempre avverse. Pensandoci bene, infatti, il tema della giustizia cosmica cozza miseramente contro la visione di Paperino, volenteroso e onesto, che viene continuamente vessato dalla sfortuna e dai soprusi. Cimino risolve la questione presentandocelo come l’eroe comune, che nonostante tutto quel che gli capita non perde la fiducia nel fatto che comportarsi correttamente sia la via giusta da perseguire nella vita. Così lo sguardo benevolo di Cimino ogni tanto riesce anche a dare a quel cuore semplice e contento una rivalsa, magari piccola, ma pur sempre significativa per il personaggio e per il lettore, che storicamente tifa per il povero Paperino e che non può che essere felice di vederlo ogni tanto benedetto da un pizzico di buona sorte.
Il processo è lo stesso innescato da Elisa Penna e Guido Martina con la creazione di Paperinik nel 1969, ma dove in quel caso la rivalsa era di tipo più drastico, in Cimino è più serena e aperta alle infinite possibilità che il mondo e il caso possono prospettare, in linea con la poetica ciminiana che pervade tutta la sua produzione.

Comunicato Stampa

Tempi duri per la disfunzionale famiglia di super-eroi altrimenti nota come Umbrella Academy. Dopo la scampata apocalisse provocata da Violino Bianco e in seguito alla morte dell’adorato mentore Pogo, il gruppo è allo sbando. Quando i suoi membri cercano faticosamente di risollevarsi, un’altra catastrofe si profila all’orizzonte…

La Storia cambierà per sempre in The Umbrella Academy vol.2: Dallas, uno stralunato viaggio attraverso il tempo, le identità del passato e il Vietnam, che si concluderà con l’evento che ha segnato in maniera indelebile il XX secolo: l’assassinio di J.F.K.!

THE UMBRELLA ACADEMY vol.2: DALLAS
Formato 17×26 cm, B., 192 pp., col.
ISBN 978-88-7759-600-0
Prezzo € 16,00
Genere Supereroismo revisionista
Autori: Gerard Way, Gabriel Bà, Dave stewart

Guardate il Motion Comic The Umbrella Academy: But the Past Ain’t Through with You  su:
www.mychemicalromance.com/blog/mcr/umbrella-academy-past-aint-through-you-motion-comic

Comunicato Stampa

Graphistudio in collaborazione con K – The Art of Living Comics presenta la mostra
Diabolik, cinquant’anni vissuti diabolikamente

Sarà una kermesse molto ricca quella che sarà inaugurata venerdì 18 maggio 2012 alle 18 a Palazzo d’Attimis. Una serie di appuntamenti che non includerà solo una mostra dedicata a Diabolik, storico personaggio della Casa editrice Astorina partner dell’evento, ma anche molti incontri collaterali. Il tutto sarà a cura dello studio Graphistudio, in collaborazione con K – The Art of Living Comics, che già nel 2011 ha organizzato un festival del fumetto e del manga nell’insolita cornice di Villa Manin.

Il luogo
Palazzo d’Attimis di Maniago (Pordenone), altro luogo non consueto per gli amanti del fumetto, è uno scenario stupendo per questa esposizione, che sarà la più importante a livello regionale e sicuramente tra le più d’effetto a livello nazionale. Non è da tutti i giorni, infatti, poter ammirare una mostra di fumetti in un Palazzo così spettacolare, con stupendi giardini all’italiana, una sala con stucchi pregiati e d’epoca, lussuosa e antica. Proprio come le case che fanno da sfondo alla saga di Diabolik.

La mostra
All’interno della mostra sarà possibile ammirare le tavole originali del primo numero di Diabolik, oltre a filmati d’epoca, immagini, foto e disegni. Si potranno anche sfogliare fumetti e compiere ricerche a tema: una vera e propria mostra interattiva, che coniuga la tecnologia con l’amore per un fumetto del passato che non passa mai di moda. Un documentario, Le sorelle Diabolike, sulla vita di Angela e Luciana Giussani, sarà proiettato su uno schermo LCD.

L’albo a fumetti
Ma l’evento celebrativo del personaggio nato dalla fantasia delle sorelle Giussani, unico a livello di Triveneto, ha dalla sua parte anche alcune chicche, imperdibili per gli appassionati dell’eroe del nero a fumetti: anzitutto, la presenza del più importante esponente della cultura “diabolika” italiana, Mario Gomboli, massimo dirigente della Casa editrice Astorina, detentrice dei diritti d’autore sul personaggio, che presenterà l’albo speciale a fumetti, Diabolik e il colpo al castello Ceconi, realizzato proprio in collaborazione da Astorina e Graphistudio.

Il pugnale e il cofanetto raro
Sarà inoltre presentata la produzione di un pugnale ispirato al personaggio, un lavoro che l’azienda Maserin di Maniago, storica produttrice di coltelli, ha realizzato partendo dalla propria tradizione locale di coltellinai e dalla passione per il personaggio. Un prodotto decisamente glocal. Un pugnale simile, ma ancora più prezioso, perché personalizzato per l’evento maniaghese, sarà contenuto in un cofanetto di grande pregio, che porterà al suo interno anche la ristampa del primo numero di Diabolik, del 1962, e il suo remake del 2002, in edizione limitata di 100 copie interamente rilegate a mano. Il tutto realizzato sempre dall’azienda di Arba, Graphistudio, promotrice dell’evento.

Gli appuntamenti del primo week end di mostra

Primo appuntamento quindi venerdì 18 maggio alle 18, con l’inaugurazione della mostra Cinquant’anni vissuti diabolikamente alla presenza di Mario Gomboli e delle autorità: in quest’occasione sarà donato l’albo Diabolik e il colpo al castello Ceconi. A seguire, aperitivo con musica dal vivo.

Sabato 19 maggio, alle 11, sarà presentato l’albo di Mario Gomboli realizzato insieme a Graphistudio.

Domenica 20, nel pomeriggio, ci sarà un fumettista a realizzare dediche per i visitatori della mostra. E questo si ripeterà ogni domenica pomeriggio fino al 3 giugno, con diversi disegnatori: un momento irrinunciabile per chi desidera avere una dedica diabolika.

La mostra durerà fino al 3 giugno. Altri appuntamenti si alterneranno anche nei successivi weekend.

www.graphistudio.com/dkm50
www.kcomicsfest.com

Comunicato Stampa

Spider-Man: il mito dell’Uomo Ragno

La mostra celebra i 50 anni di Spider-Man esponendo per la prima volta in Italia le tavole originali dei più grandi disegnatori italiani e stranieri della serie, albi rari, gadget, merchandising, anteprime, il mitico n. 1 e tante altre sorprese!

Max Pezzali ospite d’onore!

 19 maggio – 29 luglio 2012

WOW SPAZIO FUMETTO – Museo del Fumetto di Milano

Viale Campania 12 – Milano

 www.museowow.it